En esta sección expongo los dibujos que hago. Podéis pinchar en las imágenes para hacerlas más grandes. Todos los los dibujos están hechos sin ningún tipo de cuadrícula, es decir a mano alzada y coloreados por ordenador. Las temáticas son las siguientes: Dibujo de series animadas y de personajes de cómic. Los dibujos permanecen numerados secuencialmente.
DIBUJOS ANIMADOS
Un dibujo tratando de reflejar la imagen que tengo en la pantalla del ordenador del Bart Simpson nirvanero. Es decir la imagen de Bart Simpson en la cual sale representando la portada del disco "Nevermind" de Nirvana que no era más que un niño buceando en agua y a punto de ser pescado a través de un billete. El billete a diferencia del dolar que aparecía en el disco de Nirvana no es ningún rey o príncipe, si os fijais es Krusty el payaso. Dos genialidades tanto los dibujos como el disco "Nevermind" al que considero uno de los discos más emocionante de todos los tiempos. Os copio un poco de información tanto de la serie "Los simpsons" como del grupo Nirvana.
1 . Los Simpsons (en inglés, The Simpsons) es una serie estadounidense de comedia, en formato de animación, creada por Matt Groening para Fox Broadcasting Company y emitida en varios países del mundo. La serie es una sátira de la sociedad estadounidense que narra la vida y el día a día de una familia de clase media de ese país (cuyos miembros son Homer, Marge, Bart, Lisa y Maggie Simpson) que vive en un pueblo ficticio llamado Springfield.
La familia fue concebida por Groening y poco después debutó en una serie de cortos de animación producidos por James L. Brooks. Groening creó una familia disfuncional y nombró a sus personajes en honor a los miembros de su propia familia, sustituyendo su propio nombre por Bart. Los cortos pasaron a formar parte de El show de Tracey Ullman el 19 de abril de 1987, pero después de tres temporadas se decidió convertirlos en una serie de episodios de media hora en horario de máxima audiencia. Constituyó un éxito de la cadena Fox y fue la primera serie de este canal en llegar a estar entre los 30 programas más vistos en la temporada 1992-1993 en Estados Unidos.
Desde su debut el 17 de diciembre de 1989 se han emitido 530 episodios hasta el 19 de mayo de 2013, tras la finalización de su vigesimocuarta temporada. En el final de la decimoctava temporada, el 20 de mayo de 2007, se emitió en Estados Unidos el episodio 400: You Kent Always Say What You Want. En la mayoría del mundo los días 26 y 27 de julio de 2007 se estrenó Los Simpson: la película, la cual recaudó cerca de 526 millones de dólares en todo el mundo.
Los Simpson ha ganado numerosos premios desde su estreno como serie, incluyendo 25 premios Emmy, 24 premios Annie y un premio Peabody. La revista Time del 31 de diciembre de 1999 la calificó como la mejor serie del siglo XX, y el 14 de enero de 2000 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Los Simpson es una de las series estadounidenses de dibujos animados de mayor duración y el programa estadounidense de animación más largo. El gruñido de fastidio de Homer «D'oh!» ha sido incluido en el diccionario Oxford English Dictionary, mientras que la serie ha influido en muchas comedias de situación animadas para adultos.
. Nirvana fue un grupo estadounidense de Grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind (1991), Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.
Kurt Cobain, líder de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Buena parte de su audiencia alabó el interior oscuro de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.
La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain cuando en 1994 se suicidó, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron rankeados en el puesto #27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en puesto #14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos y 30 millones en todo el mundo. Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo y el grupo es una leyenda dentro de la historia de la música.
Añado también otros dos dibujos. En uno de los episodios de los simpsons Marge se siente atraída por un profesor de su universidad en la juventud y abandona a Homer que monta un grupo grunge llamado "Sadgasm" con el fin de recuperarla. Finalmente acaba metido en la heroína. Este episodio es un claro reflejo de la vida de Kurt Cobain, el que fuera el cantante de Nirvana. Incluso en muchas de las secuencias Homer lleva puesta la ropa y el instrumento que usó Kurt Cobain en el vídeo del tema "Smell like teen spirit", una camiseta a rayas verdes, unos vaqueros y su inconfundible fender stratocaster jaguar.
Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart,1 (Salzburgo, 27 de enero de 1756 - Viena, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Y ahora uno de mis personajes favoritos, Martin Prince. En este caso Martin y Nelson están en una fiesta de Halloween en casa de Bart, Nelson está disfrazado de pirata y Martin está disfrazado de Caliope, "la muza de la elocuencia". Ya os podéis imaginar el final de la escena...
Ahora la familia Simpsons al completo viendo la televisión.
Os dejo un dibujo que he hecho como algunos otros entre fiebres y anginas, si bien no es el mejor momento para dibujar con un poco de paciencia se dan los resultados. En este caso os paso a aquel que le llamaron si no recuerdo mal "El macarra de la barra que te pone la jarra en la farra", pues ahí van él y sus amigos. ¡No existe una serie como los simpsons! Para mí los mejores dibujos para adultos de la historia.
Un autoretrato
2. Don Quijote de la Mancha fue una serie de televisión de dibujos animados, basada en una de las obras maestras de la literatura universal, Don Quijote de la Mancha. Fue emitida por TVE en 1979. Tuvo un gran éxito entre el público juvenil de la época. Debido a ello fue transmitida en gran cantidad de países de América, Asia y Europa. Fue tanto un gran éxito de crítica como popular gracias a la gran claridad de los dibujos y a su narración fluida y distraída. Los realizadores de la serie, Cruz Delgado y José Romagosa no volvieron a trabajar juntos y la productora que crearon para desarrollar la serie desapareció una vez terminó su emisión. La serie tuvo un presupuesto final de 11 millones de euros.
. Historia: En 1978 Cruz Delgado y José Romagosa fundan la empresa Cruz Delgado-José Romagosa S.A. para realizar una serie basada en la obra Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes para "divulgar la obra de Cervantes y hacer de La Mancha un lugar conocido". Para ser fieles a la novela se contrataron a dos asesores literarios que fueron Guillermo Díaz-Plaja y Manuel Criado de Val para que ayudasen al guionista Gustavo Alcalde.
Se montó un Estudio en Madrid en la plaza de las Salesas, se contrata para trabajar en él a un centenar de dibujantes y al fondista Ángel S. Chicarro quien recorre toda la Mancha para tomar apuntes de todos los elementos característicos de la zona, incluso sobrevoló la zona un helicóptero durante cinco horas para filmar el paisaje y poder ser lo más similar a la zona. Para dibujar a los cuatro personajes principales de la novlea (Alonso Quijano, Sancho Panza, Dulcinea del Toboso y Rocinante) se utilizaron un total de ochenta colores. La banda sonora le fue encomendada a Antonio Areta que sería interpretada por 60 músicos de la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Nacional, al igual que realizó la canción oficial de la serie llamada En un lugar de la Mancha que fue interpretada por Lorenzo Valverde, sin embargo en la segunda temporada fue sustituida por Sancho-Quijote del grupo Botones. Ésta última fue elegida por algunos niños a los que se le hizo un pase privado en donde les mostraron distintas canciones seleccionadas por los autores y que se convertiría en disco de oro en el año 1980.
Los primeros ocho o diez capítulos de la serie fueron bien, ya que Cruz Delgado se encargaba de la parte artística y Romagosa se encargaba del merchandising para financiar el proyecto. Sin embargo los problemas aperecieron cuando comenzó a emitirse la serie, debido a que no se cumplen los plazos previstos debido a la gran cantidad de trabajo, lo que hace que se contrate a más dibujantes que a su vez hace que aumente el presupuesto hasta la cifra de 350 y 400 millones de pesetas por episodio. El presupuesto podría mantenerse debido a la labor de Romangsa durante la primera temporada, pero en la segunda muchos de los productos derivados dejaron de realizarse y no se volvió a firmar el contrato con algunas empresas, lo que hizo que la parte final de la serie se hiciera de forma apresurada con desesperación de Cruz Delgado.
. Producción: Cuando terminaba de desarrollar los guiones Gustavo Alcalde, se los enviaba a Cruz Delgado para que desarrollase los diseños modelo y el storyboard con un tamaño de 300 viñetas por episodio que servirá como base para el desarrollo posterior. Una vez realizados eran enviados al departamento de planificación en donde se realizaba la maquetación y se elige la forma con la que se va a rodar el episodio en base a las reuniones periódicos con los que había realiado el storyboard a donde asitían Cruz Delgado, Romagosa, Alcalde, Del Val, Díaz-Plaja, Juan Pardo, los animadores y el cámara.
Una vez que ya se habían terminado de realizar todas las viñetas en blanco y negro que iban a formar el episodio, el equipo de animación dirigido por Cruz Delgado en donde marcaban los movimientos de los personajes al igual que los intercaladores realizaban a lápiz los dibujos intermedios entre un dibujo y otro. Una vez terminados se rodaban para comproban la fluidez y los fallos de dicho movimiento.
Los dibujos eran reproducidos en láminas de acetato de celulosa en el departamento de reprografía, que posteriormente pasaban al de color donde se les daban las tonalidades a través de finos pinceles mientras que en el de decorados los fondistas dirigidos por Ángel S. Chicarro en donde se realizaban todos los elementos inmuebles del episodio sobre los que se colocaban las láminas de acetato de celulosa ya coloreadas. Una vez que se han unido el trabajo de ambos departamentos, el operador se encarga de conseguir que se puedan mover en la pantalla. En la etapa final se realizaban la edición y el montaje de la mano de Cruz Delgado y José Luis Berlanga realizan el control de calidad y la pasan a un formato de 35mm terminando así la producción.
La postproducción se realizaba en estudios separados. Por un lado la musicalización en donde Juan Pardo y Antonio Areta componían que posteriormente eran interpretada por el músico correspondiente. Por otro lado se llevaba a cabo el doblaje en los estudios Cinearte de Madrid, en donde Fernando Fernán Gómez daba voz a Alonso Quijano y Antonio Ferrandis, utilizan una voz distinta a la suya habitual, a Sancho Panza; al igual que Rafael de Penagos se la ponía a Miguel de Cervantes, Luis Varela al Bachiller, José Guardiola a Vizcaíno, Manolo García al caballero del Verde Gabán y Amelia Jara a la sobrina de Alonso Quijano. Y por último fueron colocados los efectos de sonido.
. Audiencia: La serie tuvo un gran éxito entre la juventud e infancia de la época, aunque también entre los adultos. La película fue exportada a casi todos los país de Europa, América y Asia, siendo emitida en un total 130 país y traducida a más de treinta idiomas entre los que se encuentran el francés, alemán, holandés, italiano, griego, turco, kurmanci, portugués, valenciano, euskera, rumano, polaco, húngaro, esloveno, yugoslavo, croata, persa, afrikaans, hebreo, árabe, japonés, mandarín(chino), bahasa-Indonesia, tamil, sueco, danés, ruso, lituano, búlgaro, e islandés. Según Romanosa, la proyección internacional de la serie permitió amortizar el dinero invertido en ella, aunque Cruz Delgado afirma que no le interesaba si ganó o perdió dinero, sino que llegó a producirla y esto le ha ayudado a poder llevar a cabo otros proyectos.
A continuación expongo unos dibujos
originales de la serie que vi en una exposición en la Imprenta Municipal
de Madrid en el año 2021.
3. D'Artacán y los tres mosqueperros es una serie de dibujos animados hispano-japonesa basada en la obra Los tres mosqueteros, de Alejandro Dumas. En el dibujo animado los personajes están representados mediante animales antropomorfizados, principalmente perros, y por eso el nombre del protagonista de la novela, d'Artagnan, ha sido modificado en una contracción con la palabra «can» (sinónimo de «perro» en español). A los mosqueteros de la novela se les aplica en el dibujo animado el mismo proceder y se les llama «mosqueperros».
La serie fue producida en 1981 por los estudios de la BRB Internacional (España) y por la Nippon Animation (Japón) y comenzó a emitirse por primera vez el 9 de octubre de 1982 en Televisión Española.
Siguiendo la obra de Dumas, adaptada para una audiencia infantil, es la historia de d'Artacán (d'Artagnan en la novela de Dumas) desde su infancia en Gascuña. D'Artacán parte a París para convertirse en un "mosqueperro", allí conoce a los tres mosqueperros Amis (Aramis), Dogos (Athos) y Pontos (Porthos) y con ellos vive sus aventuras luchando contra los malvados planes del cardenal Richelieu. Se enamora de Julieta (Constance Bonacieux), sobrina del señor Bonancieux y doncella de confianza de la reina. Cuando consigue un hogar encuentra un ratón llamado Pom.
La serie fue emitida por TVE1 los sábados a las 15:30 horas entre el 9 de octubre de 1982 y el 9 de abril de 1983. Ese mismo año, la serie fue repuesta en TVE2 entre el 15 de agosto y el 30 de septiembre.
Adquirió gran popularidad entre los jóvenes de la época, llegando a producir todo tipo de merchandising (camisetas, gorras, cromos, pegatinas etc).
A continuación expongo un dibujo original de la serie que vi en una exposición en la Imprenta Municipal de Madrid en el año 2021.
4. La vuelta al mundo de Willy Fog es una serie de dibujos animados basada en la obra de Julio Verne "La vuelta al mundo en ochenta días". Fue una producción de BRB Internacional encargada a Nippon Animation y TV Asahi, y en asociación con Televisión Española, al igual que en otras series de gran relevancia, como D'Artacan y los tres mosqueperros. La serie se emitió por primera vez en TVE en 1983 convirtiéndose en un auténtico fenómeno de masas entre el público infantil de principios de los años 80.
. Trama:
Willy Fog es un refinado y excéntrico caballero inglés (adaptado del personaje de Phileas Fogg de la novela original) que se juega la mitad de su fortuna (20.000 libras) en una apuesta contra el director del banco de Inglaterra y otros cosocios del Reform Club de Londres a que consigue dar la vuelta al mundo en 80 días, partiendo y volviendo a la ciudad de Londres en ese tiempo. Acompañado de su mayordomo Rigodón y el amigo de este, Tico, se embarca en su viaje alrededor del Mundo, en el que vivirá un sinfin de aventuras y contratiempos con el fin de intentar llevar a cabo con éxito su apuesta.
. Protagonistas:
Willy Fog: Se juega la mitad de su fortuna (20.000 libras) en una apuesta a que consigue dar la vuelta al mundo en 80 días. Es bien conocido en la sociedad londinense debido a su fortuna y estilo, aunque nunca se dice mucho de su vida fuera de la apuesta. Fog detesta el uso de la violencia, pero siempre recurre a su fiable bastón, que maneja con gran habilidad, si es necesario defender a sus amigos. Es un león.
Rigodón: es el talentoso mayordomo francés de Fog (adaptado del personaje de Passepartout de la novela). Antiguo artista circense, Rigodón dejó su trabajo por su desagrado por tener que viajar, ofreciéndose trabajar para Fog con la esperanza de que éste, con su vida establecida en Londres, no fuese dado a los viajes largos; sin embargo, previsiblemente, le sale el tiro por la culata. A pesar de ello, Rigodón sigue con lealtad a su amo. Es un gato, a pesar de que otras fuentes afirmen que es un lince, algo sin sentido si nos fijamos en la cola y las orejas del personaje. Es de Paris y habla con un marcado acento francés.
Tico: amigo de Rigodón y su antiguo compañero en el circo. A pesar de que algunas fuentes afirman que es un ratón, con sólo fijarnos en la cola podremos confirmar que es un hámster. Es de nacionalidad española y tiene un marcado acento andaluz, conocido por su masivo apetito. Debido a su tamaño, Tico puede esconderse en cualquier lugar, y siempre porta un reloj de sol con el que mide los días que quedan para cumplir la apuesta. Es una creación original de la serie.
Romy: princesa india (adaptada del personaje de Auda de la novela) rescatada por los protagonistas cuando iba a ser quemada viva junto al cadáver de su difunto esposo para honrar a la diosa Kali. Inicialmente uniéndose al grupo para encontrar a sus parientes en Singapur, pronto Romy se enamora de Fog y se convierte en su compañera de viaje. Es una pantera india.
Inspector Dix: es un agente de la policía británica (adaptado del personaje de Fix de la novela), que confunde a Fog con un ladrón de bancos y le persigue alrededor del mundo para arrestarle, aunque sin mucho éxito debido a su mala suerte o a la habilidad de Fog para escapar de sus trampas. A pesar de su rol, Dix no es intrínsecamente malvado: es un personaje notablemente honesto y con un gran sentido del deber, aunque también muy desconfiado y cínico. Uno de sus clásicos gags viene de su incapacidad para recordar el nombre de Rigodón, llamándole por apodos tales como "Tontorrón" y similares. En la versión inglesa, su nombre completo es Clifford Dix. Es un sabueso.
Agente Bully: el policía ayudante de Dix. Se trata de un personaje más bien torpe, más dado a jugar a los dardos en la comisaría que a perseguir a criminales alrededor del globo. Es un bulldog.
. Antagonistas:
Mr. Sullivan: el director del banco británico, empeñado en hacer que Fog pierda su apuesta. Es un lobo.
Transfer: Aunque algunas fuentes lo consideran un lobo, fijandonos en las orejas, el pecho y la cola se puede afirmar que es en realidad un chacal. Es un malvado saboteador contratado por Mr. Sullivan para hacer fracasar a Willy Fog. Es un maestro del disfraz, identificándose sólo por el brillo de su ojo izquierdo cuando se halla suplantando a alguien o planeando una de sus fechorías. Es una creación original de la serie.
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5. Ulises 31 (31 Yurisiizu 31?) es una serie de dibujos animados/ anime franco-japonesa (1981) que traslada la historia de la mitología griega de Ulises (Odiseo) al siglo XXXI. El programa consta de 26 capítulos de media hora de duración cada uno y fue producido por Tokyo Movie Shinsha (Japón) y DiC Entertainment (Francia).
Ulises, al comando de la nave espacial Odiseus, destruye al gran Cíclope y rescata a un grupo de niños prisioneros incluyendo a su propio hijo Telémaco, despertando así la ira de los dioses. El Dios Poseidón pide ayuda a Zeus para que sentencie a Ulises a vagar por el universo del Olimpo y congele a su tripulación, que permanece hibernada en la nave hasta que pueda encontrar el reino de Hades, tras lo que le será permitido volver a la Tierra.
Ulises - Personaje principal y capitán del Odiseus.
Telémaco - Hijo de Ulises y segundo de a bordo durante la mayor parte del trayecto. Amigo y protector de Thais.
Thais (conocida como Themis (la diosa griega de la justicia) en francés y en Latinoamérica)- Del planeta blanco Zotra. Su piel es de color azul y tiene poderes telepáticos. Su hermano Numaios permanece hibernado junto con el resto de la tripulación. En los contenidos de los dvd editados en España aparece como Yumi.
Nono - Pequeño robot comedor de tuercas, compañero de Telémaco.
Shirka - El ordenador principal del Odiseus.
En España la cronología de la serie fue bastante distinta. La emisión original en RTVE empezó el 10 de Octubre de 1982 y finalizó el 3 de Abril de 1983. La serie se emitía los Domingos a las 15:30 por la primera cadena de TVE. Posteriormente, la serie fue repuesta en la segunda cadena de TVE de Lunes a Jueves a las 19:10, cuya emisión empezó el 3 de Julio de 1984 y finalizó el 19 de Agosto de 1984. La edición en DVD de la serie editada en España no respeta la cronología de la emisión española ni tampoco la cronología de la emisión japonesa.
6. Los autos locos (en inglés Wacky Races) es una serie de dibujos animados de la productora estadounidense Hanna-Barbera Productions sobre un grupo de 11 coches de carrera que compiten entre sí en diferentes carreras, con sus pilotos intentando ganar el título de «Piloto más loco del mundo». La serie era inusual por el gran número de personajes habituales, 23 en total. Esta serie fue inspirada por la película La carrera del siglo (1965). Se emitió originalmente en el canal de televisión estadounidense CBS entre el 14 de septiembre de 1968 y el 5 de septiembre de 1970. Se produjeron diecisiete episodios, cada uno de los cuales incluía dos carreras distintas, haciendo pues un total de 34 carreras.
. Entre los corredores estaban el estereotipado villano propio de la serie, Pierre Nodoyuna (Pierre "no doy una"), y su secuaz, el perro Patán. Nodoyuna lograba una gran ventaja y entonces, como Wile E. Coyote en los dibujos animados del Correcaminos, llevaba a cabo todo tipo de elaborados ardides para hacer que los demás corredores cayeran en trampas, se desviasen, pinchasen o se detuvieran, sólo para ver cómo le salía el tiro por la culata espectacularmente. La lección a aprender podría haber sido que Pierre contaba con uno de los coches probablemente más rápidos de la serie y habría ganado varias carreras si se hubiera concentrado en ellas, en lugar de preparar las trampas. Como Wile E. Coyote, Pierre Nodoyuna jamás ganaba. Muchos de los planes de Pierre son sospechosamente familiares a los usados en episodios del Correcaminos, lo que puede deberse al hecho de que Mike Maltese fuese guionista de ambas series.
Uno de los planes originales para la serie era que las propias carreras serían parte de un concurso de televisión real con Merrill Heatter y Bob Quigley, el equipo responsable de la serie de televisión Hollywood Squares. El plan de Heatter y Quigley era que los concursantes apostasen a qué auto loco cruzaría primero la línea de meta.
. Corredores: Los once participantes con sus números eran (entre paréntesis se indican los nombres originales):
Número 1: El Rocomóvil(The Bouldermobile), conducido por los Hermanos Macana, Piedro y Roco(The Slag Brothers, Rock and Gravel), dos trogloditas cubiertos con pelo como el Tío Cosa de La familia Addams, cuyo diseño fue reciclado para el Capitán Cavernícola. El automóvil es un pedrusco gigante con ruedas. A veces los Hermanos Macana reconstruían su coche desde cero usando sus porras, a la vez que las usaban para potenciar su motor, el cual en algún momento se revela que está ocupado por una criatura viva. Ostentan el mayor número de segundos puestos de la competición. Los Hermanos Macana llegaron 3 veces en primer lugar.
Número 2: El Espantomóvil(The Creepy Coupe), conducido por Los Tenebrosos (La Pareja Compleja)(The Gruesome Twosome): un corpulento humanoide y un vampiro de piel púrpura. Se trata de un coche con un pequeño campanario cuyo punto más alto está habitado por un dragón («con 1.000 llamaradas de fuerza») y varios fantasmas, vampiros, monstruos y brujas. El Espantomóvil es capaz de volar distancias cortas usando las alas del dragón. Los tenebrosos llegaron 3 veces en primer lugar.
Número 3: El Auto/Súper Convertible(Convert-a-car), conducido por el profesor Locovitch(Pat Pending), un científico loco. Su coche, que en principio tiene forma de barco con ruedas, es capaz de transformarse casi en cualquier cosa. Locovitch suele ayudar con sus innumerables inventos a los demás corredores a pasar por diversos obstáculos e impedimentos que, bien por causas naturales o bien por obra de Pierre, se presentan en la carrera. También los usa, a su vez, para atacar a sus rivales. El Profesor Locovitch llegó 3 veces en primer lugar.
Número 4: El Stuka Rakuda(Crimson Haybailer), conducido por el Barón Hans Fritz(The Red Max), un as de la aviación (vagamente basado en el aviador alemán de la Primera Guerra Mundial El barón rojo Manfred von Richthofen). Es un híbrido de coche y avión, capaz de volar limitadamente, normalmente lo justo para sobrepasar por encima de los corredores (individual o colectivamente) y los obstáculos que se presentan en su camino. El Stuka Rakuda también tiene montada una ametralladora, la cual es usada esporádicamente. La antigüedad del Stuka hace que el barón suela perder el control de su automóvil (e incluso su hélice), en diversas ocasiones. Hans Fritz es el ganador de la primera carrera de la historia de los Autos Locos, See Saw To Arkansas. El Barón Hans Fritz llegó 3 veces en primer lugar.
Número 5: El Compact Pussycat(igual nombre en el original), conducido por Penélope Glamour(Penelope Pitstop), una damisela en apuros. Es un coche femenino de color rosa sólo con accesorios maquilladores. Tales accesorios fallaban, actuando a veces como armas indirectas frente a los otros corredores; por ejemplo, haciendo que espuma de champú cayera sobre sus caras. Tiene un romance secreto con Pedro Bello, y siempre que está en apuros pide su ayuda, además de la de otros corredores. Penélope Glamour llegó 4 veces en primer lugar.
Número 6: El Súper Chatarra Special(The Army Surplus Special), conducido por el sargento Blast y el soldado Meekly (iguales nombres en el original), dos militares. Es un vehículo militar, mitad tanque, mitad jeep. El Súper Chatarra Special hace uso de sus accesorios de tanque durante la carrera, cañón incluido. En ningún momento de la serie se mencionan los nombres propios de los pilotos en la edición española, conociéndoseles sólo como Sargento y Soldado. Pese a ser un vehículo robusto y potente, solamente llegaron 3 veces al primer lugar.
Número 7: La Antigualla Blindada(The Bulletproof Bomb), conducido por Mafio y sus pandilleros (de la Mafia del Hormiguero)(The Ant Hill Mob), siete irresponsables y cabezas huecas gánsters. Manejan un sedán de los años 1920. Su coche fue rebautizado como Chugabum en la secuela Los peligros de Penélope Glamour, donde también parece que ganó consciencia de sí mismo. La pandilla es confundida por los agentes de la ley con delincuentes reales, normalmente a causa de Nodoyuna, lo que les supone entrar en extravagantes situaciones, como hacerse pasar por los enanitos de Blancanieves, equilibristas de circo o jóvenes scouts. Su mejor baza para avanzar posiciones es la «Potencia de Fuga», consistente en que los pandilleros usen sus piernas para propulsar a la antigualla. Mafio y sus pandilleros llegaron 4 veces en primer lugar.
Número 8: El Alambique Veloz (de Arkansas) (The Arkansas Chuggabug) , conducido por Lucas (Luke) el granjero y el Oso Miedoso (a veces llamado oso Burbujas)(Blubber Bear), un cateto que duerme la mayoría del tiempo, acompañado de un oso cobarde, desplazándose en un carro de madera propulsado por una estufa de carbón. La estufa es el punto flaco del Alambique, cosa que los competidores aprovechan a su favor. Lucas emplea rudimentarias técnicas para avanzar en las carreras. Miedoso (haciendo honor a su nombre) teme todo lo que acontece en la carrera, poniendo a prueba (y a veces entorpeciendo) al buen Lucas. Lucas el granjero y el Oso Miedoso llegaron 4 veces en primer lugar.
Número 9: El Superheterodino(The Turbo Terrific), conducido por Pedro Bello(Peter Perfect). Es un drag racer con dos grandes ruedas traseras, que suele caerse a pedazos debido a su alta fragilidad (aunque Bello lo niegue permanentemente). Está enamorado de Penélope Glamour, y le ayuda en todo lo posible. Pedro Bello llegó 4 veces en primer lugar.
Número 10: El Troncoswagen (The Buzzwagon), conducido por Brutus y Listus (Rufus Ruffcut y Sawtooth), un leñador y un castor en una carreta de madera con sierras circulares en lugar de ruedas. Esto les da la habilidad de cortar casi cualquier cosa, dañando o destruyendo objetos. Son conductores muy agresivos y no dudan en rebanar en dos a su rival a la hora de adelantar. También emplean artefactos cortantes para abrirse paso por los obstáculos de la carrera. Listus colabora también en estas situaciones. Brutus y Listus llegaron 3 veces en primer lugar.
Número 00: El Súper Ferrari (El auto doble cero) (The Mean Machine oo) , conducido por Pierre Nodoyuna (Dick Dastardly) y Patán (Muttley), los protagonistas de la serie. Se trata de un coche increíble a reacción, con cientos de armas ocultas. Intentan perjudicar lo máximo posible a sus competidores, con el único propósito de asegurarse la victoria. Esta obsesión de Pierre solía acarrearle una pérdida de tiempo valioso, haciéndole perder muchas posibles ocasiones de victoria. De hecho, en todo el ciclo jamás ganó una carrera.
7. Pumuki (Pumuckl, en alemán) es un duendecillo ("kobold"), creado en 1961 por Ellis Kaut. Es descendiente de los Klabautermänner. Es invisible para todo el mundo, salvo para el maestro carpintero Eder con el que vive. Fue creado para una radionovela en la radio bávara, siendo el protagonista más tarde de una exitosa serie de televisión, además de tres películas y un musical.
Es uno de los personajes infantiles más populares de Alemania.
La serie de televisión dedicada a Pumuki fue una de las primeras en mezclar animación con imagen real, al ser Pumuki un dibujo animado.
Siendo descendiente del pueblo Klabautermann, que eran marineros, Pumuki adora los veleros. Pero se perdió en Baviera, donde no hay barcos. No le gustan los lugares ordenados y limpios, así que se refugia en el caótico taller de un carpintero, perteneciente al maestro Eder, un anciano solitario. Su profesión, en el original alemán, es descrita como "Schreinermeister", que significa que sólo hacía reparaciones de muebles, como se muestra en la serie (y se menciona en la radio). Sin embargo, el hecho de que el taller esté desordenado sella el destino de Pumuki, al quedar atrapado por un desbordante bote de cola, ya que siempre que uno de su raza queda atrapado por algo hecho por el hombre, se vuelve visible ante el maestro Eder. Al exigir las reglas de sus ancestros que debe permanecer con cualquier humano capaz de verlo, se ve obligado a vivir con él a partir de entonces.
En la serie y en los libros, Pumuki es siempre visible si nadie más que el maestro Eder está presente; pero se vuelve invisible en cuanto aparece cualquier otra persona.
Pumuki es infantilmente inmaduro y travieso. Su edad nunca es mencionada; tuvo una vida antes de hacerse visible, pero fue muy diferente: no tenía que comer y era inmune al frío y al calor.
El maestro Eder lo ve como a un niño, y suele aparecer como su guardián, tratando con frecuencia de enseñarle a ser educado, aunque no siempre lo consigue. Por ejemplo, nunca logró terminar con el impulso de Pumuki de robar cosas. Pero, por otra parte, esta podría ser una caraterística hereditaria de su raza.
Pumuki es a veces muy egoísta, y a veces esto le lleva a hacer cosas malas; pero cuando nota que ha perjudicado a alguien (normalmente, un niño o una mujer solitaria), siente genuino remordimiento y hace lo que puede para ayudar a esa persona.
El maestro Eder, cuyo nombre de pila en la serie de televisión es Franz, es lo opuesto a Pumuki. Es un ciudadano respetuoso con las leyes, meticuloso en su trabajo, y siempre amable. Mientras que al duendecillo le encanta meterse en problemas, el anciano prefiere mantenerse lejos de ellos. A veces parece preferir aislarse de la sociedad, ya que pasa mucho tiempo con Pumuki. Pero esto no siempre es cierto: tiene un par de amigos, ancianos artesanos como él, con los que se encuentra regularmente en su "Stammtisch" para tomar una cerveza.
Tiene una hermana y un joven sobrino. Parece haber cierto conflicto sobre su modo de vida con su hermana, y el sobrino aparece en una historia como rival de Pumuki. No aparecen más familiares.
A pesar del desorden de su taller, le gusta tener su casa ordenada, por lo que tiene una asistenta doméstica, que aparece en varias historias como personaje secundario.
No tiene la menor simpatía por Pumuki cuando roba cosas; pero a veces admite las pequeñas bromas del duende, porque le hacen reír o pensar.
En la serie fue interpretado por Gustl Bayrhammer. El verdadero Pumuky es el del dibujo, lo podéis ver en la página oficial, posteriormente para la serie se hizo un muñeco con el mismo cuerpo y el pelo más anaranjado. Pero, primeramente, este fue el verdadero Pumuky.
8. Las aventuras de la abeja Maya (Mitsubachi Maya no boken?) es una serie animada de televisión japonesa producida por Nippon Animation Company en 1975, recrea las aventuras de una abeja llamada Maya, está basada en el libro del escritor alemán Waldemar Bonsels, publicado en 1912.
La historia se centra en las aventuras de Maya, una joven abeja inquieta, aventurera y preguntona, así como de la forma que tiene de desenvolverse en un entorno plagado de todo tipo de insectos y demás bichos. Maya es enviada por la abeja reina a buscar polen para su colmena. En esa tarea Maya, junto a su inseparable amigo Willi el zángano, descubre un mundo nuevo a su alrededor y entabla amistad con numerosas criaturas del bosque como el saltamontes Flip, la araña Tecla, la mosca Puck, el escarabajo Kurt o el ratón Alejandro.
En España la serie fue doblada en los estudios Magna de Madrid y se estrenó en 1978 por Radiotelevisión española, donde aquirió gran popularidad. Posteriormente ha sido repuesta por Antena 3 (1995), la FORTA la emitió desde 2003, en Canal Sur 2 y otras cadenas autonómicas. En 2008 y hasta la actualidad, la serie ha vuelto a su canal original, RTVE, donde se emite en La 2 y en el canal de TDT Clan todos los días de 8 a 9 de la mañana. Cabe destacar que Planeta Junior tiene en DVD las dos temporadas, ya que es la empresa propietaria de los derechos de autor en España, motivo por el cual ha llegado a un acuerdo para que sea la mascota del parque temático Terra Mítica. Ahora, se emite en Canal Panda.
9. David el Gnomo es una serie de dibujos animados de origen español, emitida por primera vez en 1985, que narra las aventuras en el bosque del gnomo David y su familia, con un importante trasfondo educativo en temas como ecología, amistad y justicia. Está basada en los libros Los gnomos y La llamada de los gnomos (Het leven der kabouters), de los neerlandeses Will Huygen y Rien Poortvliet, escritor e ilustrador, respectivamente.
La vida de los gnomos: la serie presenta a los gnomos como una especie bonachona, de 15 centímetros de altura, a los que se debe añadir el gorro cónico omnipresente, y entre 250 y 300 gramos de peso. Según su hábitat, se distinguen distintos tipos de gnomos: el del bosque, el del jardín, el de la granja, el de la casa, el de las dunas y el siberiano. Normalmente se casan a la edad de 100 años y su longevidad es exactamente 400 años. Claman ser siete veces más fuerte que un hombre, en relación a su tamaño, pero deben andar con cuidado de no ser pisoteados por estos cuando se adentran en el bosque. Viven en pareja en cómodas cuevas o en "madrigueras" bajo un gran árbol, en compañía de una pareja de ratones y un grillo guardián. Su dieta es ovovegetariana, sólo comen los productos de la naturaleza y los huevos que les regalan las aves que han tenido una puesta muy abundante. Se ayudan de los animales del bosque para viajes de largas distancias o cuando se requiere llegar pronto a un sitio. Son grandes conocedores de los secretos de la naturaleza y detestan los daños que el ser humano le causa. Tienen el poder de la telepatía. Sus principales enemigos son los troles, unos personajes malolientes y torpes que siempre están incordiando a los demás habitantes del bosque.
Personajes:
. David, hijo de Tim de Uppsala,1 es un gnomo del bosque de 399 años, el más anciano del lugar puesto que ninguno vive más de 400 años, excepto el gnomo del oeste Franklin el cual vivió 550 años, aunque David conserva un buen estado de forma. De profesión médico, utiliza sus conocimientos sobre hierbas curativas y otras técnicas (hipnosis, acupuntura, etc.) para sanar a enfermos o heridos allí donde le reclamen, ya sean animales u otros gnomos. Cuenta con la ayuda de su fiel amigo el zorro Swift, quien tras un silbido de llamada acude raudo a su encuentro para trasportarle velozmente en su grupa donde sea necesario. Para viajes transoceánicos, en ocasiones utiliza un canasto sujeto al cuello de aves migratorias como los gansos, aunque no está demostrado que Swift no fuera capaz de hacerlos.
. Lisa es la compañera de David, de su misma edad y mismo carácter. Juntos tuvieron dos hijos, Noelia y Harold.2 Se encarga de las labores del hogar, aunque no duda en acompañar y ayudar a David en sus diversas aventuras. De hecho, en el episodio número 2 "La pequeña bruja" en la que David y Swift han sido capturados por los troles, ella sola organiza un plan para liberarlos que culmina con éxito.
. Swift, se trata de un zorro que es el mejor amigo de David, vive en el bosque y siempre está disponible para transportar a David allá donde le requieran. Se caracteriza por su velocidad y resistencia. David lo llama con un silbido agudo y da igual donde se encuentre porque siempre llega a tiempo, excepto en el capítulo 7 en el cual Swift es envenenado.
. Los trolls, en la serie aparecen cuatro troles (aunque en la serie se les llama 'trolls', ya que se usa el anglicismo 'troll', con doble 'L', siendo 'trol' y 'troles' las palabras correctas en español3 ) que constantemente están tratando de molestar a los gnomos. Son Pot, Pat y Poopey, además de Holley que es el único capaz de pensar. Tienen algunos poderes sobrenaturales, pero su debilidad reside en que la luz directa del sol les convierte en piedra.
Curiosidades:
En 1985 la empresa Panini sacó en España un álbum de cromos sobre la serie, que eran distribuidos con sus productos.
Para poder ser emitida en Estados Unidos, la serie tuvo que ser retocada, ya que la censura televisiva de aquel país consideraba demasiado grandes los pechos de Lisa, e inadmisible que apareciera dando de mamar a sus hijos gemelos.5
Si la constitución física de los gnomos fuese similar a la de los humanos, salvo que de tamaño reducido, deberían ser capaces de levantar 11,3 veces su peso6 para igualar la fuerza de un hombre que tan sólo levante una vez su peso, debido a la ley cuadrado cúbica.7
En la canción "Soy un gnomo" se señala a los enemigos de los mismos "Evitando a los enemigos, a los trolls y a las mofetas". Hay aquí una confusión, ya que la mofeta únicamente habita en Norteamérica y la serie trascurre en Europa. Se trata de otro mustélido, el turón, pariente salvaje del hurón. Al ser un animal maloliente debió producirse un error de traducción o identificación. En el libro original (que incluye una ilustración precisa) explican que, aunque los depredadores respetan a los gnomos, las mofetas (turones) son rechazadas por éstos debido a su costumbre de paralizar ranas con un mordisco en los riñones para conservarlas vivas y frescas hasta el momento de devorarlas. A los niños gnomo esto les horroriza y atemoriza desde siempre ante el temor de acabar igual. De todos modos, se insiste en que sólo el gato doméstico resulta peligroso, lo que tiene reflejo en la serie, a diferencia de las mofetas (turones) que sólo aparecen una vez cuando se explica el funcionamiento de la trampa defensiva a la entrada de los hogares (un ejemplar es atrapado en ella).
Con el auge de las redes de intercambio de archivos por Internet, comenzó a circular una versión punk de la canción "Soy un Gnomo", siendo atribuida principalmente a Piperrak, aunque también a otros grupos como Porretas, Reincidentes, El Chivi, etc. En realidad el autor original de la versión es el grupo murciano Kontrabando, el cual la creó hace aproximadamente 10 años.8 9 10
En el popular juego Half-Life 2 en el episodio llamado Half-Life 2: Episode Two, hay un increíble parecido en el Gnomo de jardín que aparece en la tercera etapa del juego, el que incluso tiene un logro el cual su traducción en ingles seria "Pequeño Hombre Cohete", por otra parte, el parecido entre el David y el Gnomo de jardín de Half-Life 2 es bastante notorio, la unica diferencia entre los dos son los pantalones que en David son marrones y en el Gnomo de jardín son verdes, algo mas curioso aun es que los jugadores tienen la tendencia de ponerle nombres al Gnomo debido a que tienen que cargar con el casi por todo el juego y en algunos videos que rondan por la Internet acerca de tutoriales o simplemente Broadcast que realizan los jugadores, se ha visto que algunos gnomos son frecuente llamados David.
La serie fue producida por la empresa BRB Internacional, autora de otras series infantiles como Willy Fog o D'Artacán y los tres Mosqueperros y Ruy, el pequeño Cid, con la colaboración de Televisión Española; y emitida por primera vez en España por la segunda cadena de la televisión pública en 1985.
10. Chicho Terremoto es un anime llamado originalmente "Dash!! Kappei" o "Dashu Kappei" que se podría traducir como "¡Kappei el Terremoto!", emitido originalmente en Japón entre 1981 y 1982 por Fuji Television, con un total de 65 episodios, y emitida en España por Antena 3 Televisión. También tiene un manga del mismo nombre publicado en 1981. Su autor era Noboru Rokuda y el estudio encargado era Tatsunoko. La serie llegó a España desde Italia (donde el título era "Gigi la trottola") con severas modificaciones del guion original. Además, se hicieron en España distintas y variadas modificaciones al guion original que transformaron la serie en algo totalmente distinto al original japonés. La serie trata de un chaval que se dedicaba a levantar toda falda que encontraba a su paso. Especialmente la de "Rosita" (Ana en latinoamérica), con sus bragas del color blanco (le gustaba ese color, decía que era un símbolo de pureza). En los ratos libres en los que no estaba «levantándose la moral», jugaba al baloncesto y con frecuencia solía anotar triples. Su grito de guerra «¡Tres puntos, colega!» adquirió relativa difusión. Actualmente los derechos de la serie de TV de Chicho Terremoto en España son de Selecta Visión.
11. La Pantera Rosa (en inglés: The Pink Panther) es el nombre de un personaje de ficción, ligado a la película de igual título, de 1963. En la película original de 1963 titulada La Pantera Rosa de Blake Edwards (1922-2010), la Pantera Rosa era un diamante de gran valor que "El fantasma", un renombrado ladrón de guante blanco, tenía planeado robar. En esa primera película se recurrió a una animación para ilustrar el título y los créditos iniciales y finales de la película. Blake Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (1906-1995, creador de Bugs Bunny, Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales, entre otros) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que fuera graciosa, muda y de color rosa.
La película fue estrenada el 20 de marzo de 1963 y el dibujo animado de los créditos había llamado tanto la atención que, no mucho después, el 27 de abril de 1963, el dibujo ocupó la portada de la prestigiosa Time (revista). Esto llevó a los productores a plantearse la viabilidad del personaje como dibujo animado independiente de la película. Se hizo un cortometraje de animación con la pantera rosa (personaje animado) como protagonista, titulado The Pink Phink. Ganó, a pesar del breve intervalo entre su estreno y la ceremonia de los Oscar celebrada el 13 de abril de 1964, el Oscar al mejor cortometraje animado. El corto era, en realidad, el capítulo piloto para la serie de animación La Pantera Rosa (animación 1964) "La Pantera Rosa"(Pink Panther).
. La música. Uno de los elementos más identificables de la Pantera Rosa es la música del título y sus créditos, compuesta por Henry Mancini para la película original, y desarrollada con diversas variaciones en el resto de las series y películas. Se trata de un tema de jazz, con el saxo tenor como principal elemento instrumental. A partir de The return of the Pink Panther, 1965, el intérprete solista de este tema fue el saxofonista británico, Tony Coe.
Sorprendentemente, el nacimiento de la pantera rosa fue prácticamente una casualidad. En la película original titulada La pantera rosa de Blake Edwards, la pantera rosa era, en realidad, un diamante de mucho valor y, por extensión, un ladrón de guante blanco que había logrado robarlo. En esa primera película se recurrió a una animación para ilustrar el título y los créditos iniciales y finales de la película. Blake Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (1906-1995, creador de Bugs Bunny, Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales, entre otros) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que fuera graciosa, muda y de color rosa. La Pantera Rosa puede ser definida como un gentleman británico: elegante hasta en el último de sus gestos. Es un felino antropomórfico, de aspecto físico delgado, con la particularidad de ser de color rosa y aparentemente mudo —en dos de los episodios de la serie original sí habla, así como en la serie de 1993 (decisión que no agradó a los fans más tradicionales del personaje)—; un personaje bastante metódico, con una capacidad intelectual muy elevada y de genio bastante alegre y muy simpático. Por lo general, se mete en algún lío o simplemente realiza tareas bastante comunes pero con un toque cómico singular, lo cual haría recordar por un momento un singular pero poco denotado parecido muy especial al gran maestro de la cinematografía sir Charles Chaplin y al personaje Charlot.
. Influencias culturales. En el Boulevard de la Fama de Hollywood (frente al Teatro Chino), el dibujo La Pantera Rosa cuenta con su propia estrella —en la que están impresas sus huellas— concedida en 1999.
En 1997, la cadena Cartoon Network compró los derechos de varias de las series y, desde entonces, las está reponiendo, tanto en Estados Unidos como en otros países en los que tiene presencia.
Una orquesta colombiana, La 33, tomó la singular melodía y le hizo los arreglos músciales y la convirtió en una canción de música salsa, al cual títularon La Pantera Mambo, es una versión salsera del tema de La Pantera Rosa, compuesto por Henry Mancini, tema que los dj´s hacían sonar en el mejor momento de la rumba, causando la euforia del público.
12. Isidoro o Pícaro (en inglés Heathcliff) es una historieta creada por George Gately en 1973 que tiene como protagonistas al gato Isidoro. Actualmente está escrito y dibujado por el sobrino de Gately, Peter Gallagher y se distribuye a más de 1000 periódicos por el Sindicato de Creadores.
Isidoro tiene algunas semejanzas con la popular historieta Garfield, al que precedió. Tanto en la apariencia de los gatos protagonistas, que son de color naranja con rayas negras, en su mal temperamento; la expresión "cuidado con el gato" ha sido aplicado a ambos. Sin embargo, la diferencia principal entre ellos está en su estilo de vida. Mientras Garfield prefiere estar en casa, comer y dormir todo el día, Isidoro tiene un modo de vivir más activo y dañino. Además, Isidoro tiene un carácter silencioso mientras que Garfield expresa su pensamiento con palabras.
Isidoro tal como es visto en la tira cómica es un gato que molesta al gerente de la pescadería, cae en cubos de basura, molesta al lechero, y persigue gatos femeninos. Isidoro también está implicado en una relación difícil con el Sr. Nuez Moscada, propietario de la casa en la que él vive. Es, en general, un personaje de historieta aventurero, que le gusta la diversión y no suele disculparse por sus fechorías.
La tira, por lo general, es presentada en un único panel durante días laborables. Los domingos, la tira es ampliada a múltiples paneles y titulada el 'Domingo con Isidoro'. Un rasgo regular en las tiras del domingo es la 'Kitty Korner', donde gatos insólitos del mundo real son descritos.
Existen dos series de Tv animadas con el mismo nombre basadas en la tira cómica. Aunque Isidoro no hablaba en la tira cómica, en las dos versiones animadas le puso voz el actor Mel Blanc. Isidoro fue el último de muchos personajes originales de Blanc.
El primer Isidoro fue creado por Ruby-Spears Productions en 1980. La primera temporada incluía partes de Dingbat and the Creeps (Dingbat es el perro vampiro (Frank Welker acompañado por Spare Rib, el esqueleto y Nobody, una calabaza iluminada), los cuales fueron creados por Ruby-Spears para el programa, y la segunda temporada incorporaba al personaje Marmaduke. Esta versión se veía a veces en el canal de televisión Boomerang.
La segunda serie fue hecha en 1984 por DiC Entertainment, con los personajes originales (esta serie a menudo es llamada 'Isidoro y los Gatos Cadillac' para evitar la confusión). En el año 2005, Shout! Factory lanzó al mercado un DVD con los 24 primeros episodios de esta serie.
13. Inspector Gadget es una serie de televisión de dibujos animados sobre un detective torpe y despistado, que es además un ciborg equipado con varios gadgets colocados por todo su cuerpo y cuyo principal enemigo es el líder de la malvada organización M.A.D. La serie fue producida por DiC Entertainment y se emitió entre 1983 y 1986.
La serie fue una coproducción de Francia, Canadá, Estados Unidos y Japón, por lo que se dobló originalmente en inglés y francés. En el doblaje al español los personajes mantienen sus nombres en francés para la versión de España y en inglés para la de Latinoamérica. Como curiosidad, señalar que en España la primera temporada (1984-85) no fue emitida completa, por lo que los capítulos que faltaban por emitir se emitieron junto a la segunda temporada (1985-86).
La serie fue un éxito y generó otras basadas en los mismos personajes, así como dos películas: Inspector Gadget (1999) e Inspector Gadget 2 (2003).
En la primera temporada, prácticamente cada episodio presentaba algún supervillano que entraba al servicio de Gang para cometer un crimen basado en sus habilidades especiales. Normalmente eran arrestados al final del episodio y no volvían a aparecer en la serie.
Los personajes principales son:
Inspector Gadget
Penny (Sophie en la versión española)
Brain (Sultán en la versión española)
Jefe Quimby (Jefe Gotier en la versión española)
Doctor Claw (Dr. Gang en España)
Sargento Capeman (Sargento Capaman/Capman en España)
El inspector Gadget es en apariencia un agente de policía de Metro City (En España se llama la ciudad Metrópolis o Metroville, aunque también Metro City en la película El último caso del Inspector Gadget) , en donde tienen lugar la mayoría de los episodios. Sin embargo, sus misiones a veces le llevan a algún lugar exótico, generalmente sin dar ninguna explicación de cómo un crimen cometido en la otra punta de la Tierra puede tener interés para un agente de la policía de Metro City.
Con alguna rara excepción, los episodios del Inspector Gadget seguían un argumento estándar:
Gadget, Penny y Brain están realizando alguna actividad familiar que es interrumpida por el comisario Gotier mediante una llamada al Gadgetoteléfono. El comisario aparece más tarde con algún disfraz extraño- bombona de butano, echadora de cartas gitana o incluso una gárgola de casa de Gadget-. Gotier entrega a Gadget una nota que se autodestruye. Mientras lee la carta los ojos de Gadget se mueven de un lado a otro y se puede oír el sonido de una máquina de escribir. La última línea del mensaje es siempre “Este mensaje se autodestruirá”, una parodia de los mensajes grabados de la serie Mission: Impossible. Gadget entonces dice su frase recurrente: “No se preocupe jefe, siempre cumplo con mi deber” antes de arrugar el papel y arrojarlo inintencionadamente detrás del comisario Gotier y se aleja del sitio en total ignorancia del hecho. El mensaje estalla pocos segundos después en la cara del comisario, el cual se pregunta algo así como: “¿Por qué lo soporto?” El único episodio sin papel explosivo es "Health Spa" (#5), en el que Gadget no tiene ninguna misión. Sin embargo, Gadget le cierra la puerta en las narices a Gotier después de que este diga: “Al fin una orden que no me va a estallar en las narices”.
El doctor Garra siempre está visualizando de alguna manera este acontecimiento en el ordenador el escritorio o de su coche e introduce su plan y generalmente un nuevo supervillano a los telespectadores. Esos planes casi siempre incluyen eliminar a Gadget y robar algo valioso.
Gadget comienza su misión ajeno a lo que sucede a su alrededor, casi siempre confundiendo a los agentes enemigos con aliados provechosos y viceversa.
Penny envía a Brain para asegurarse de que Gadget no sufre daños. Brain hace uso de varios trajes (aunque nunca se explica cómo los consigue) e interactúa con Gadget, el cual nunca lo reconoce. Gadget generalmente suele considerar a Brain disfrazado como el principal sospechoso. Cuando interviene para salvar a Gadget de los agentes de MAD, Brain a menudo sufre los daños (junto con los propios agentes) en lugar de Gadget. Gadget en general sufre pocos daños y cuando se producen son por su propia culpa. Incluso cuando Gadget cae en las trampas de los agentes de MAD logra escapar gracias a sus gadgets.
Penny investiga el crimen y por lo general es la única en resolverlo gracias a Libro Ordenador. Con él puede burlar los controles de cualquier cosa electrónica. También puede a veces controlar los vehículos de los agentes de MAD y obligarles a estrellarse. A veces, también utiliza el libro para sobrecargar las máquinas de Garra y hacerlas explotar. En este momento, el Inspector Gadget resuelve el caso inintencionadamente sin darse cuenta. A veces Penny es capturada por los enemigos y Brain tiene que ir a rescatarla. Algunas veces Penny puede escapar por su cuenta si los agentes de MAD no hacen bien su trabajo o son distraídos por algo. Otras veces, escapa con la ayuda del Libro Computadora.
Poco después de resolver el caso, Penny llama comisario Gotier a la escena del crimen.
El inspector Gadget invariablemente recibe el reconocimiento por el éxito de la misión y todo el mundo cree que ha resuelto el caso por su cuenta. El comisario Gotier le felicita. Nadie sospecha nunca que en realidad Brain y Penny hicieron todo el trabajo. Normalmente aparecen sin que Gadget sepa cómo han llegado hasta allí, pero se alegra de verlos. Como en otros dibujos animados el episodio termina generalmente con todos los personajes riendo por algo.
Después de esto, se puede ver a Garra escaparse en algún tipo de coche, avión o submarino avanzado y diciendo su frase recurrente ” ¡Lo conseguiré la próxima vez, Gadget! ¡¡La próxima vez!!”
Al igual que en otros dibujos animados de los años 80 de DiC Entertainment, la última escena del Inspector Gadget es algún consejo de seguridad, generalmente relacionado con el episodio.
A pesar de su fórmula simple, (en su día fue comparada con la serie El Superagente 86 aunque tienen poco en común), la alternancia de escenarios locales y exóticos, el carisma de los personajes principales y los guiones sólidos hicieron a la serie un producto entretenido. Además los niños con corta capacidad de atención tienden a disfrutar de las fórmulas repetitivas, lo que contribuyó a que la serie fuera recordada tiempo después de su finalización.
Los gadgets (artilugios) del Inspector eran el aspecto más original de la serie y aunque eran fundamentales para el personaje, rara vez le ayudaban realmente a resolver algún caso. El Inspector podía activar estos gadgets llamándolos por su nombre “Adelante gadgetobrazos”, (por ejemplo). A menudo el artilugio funcionaba incorrectamente o salía uno erróneo. Cuando esto sucede Gadget murmura que necesita desesperadamente arreglarlos, pero aparentemente nunca lo hace. Algunos de los gadgets se activan por reflejo en vez de nombrarlos, pero esto es raro.
14. Calimero (Karimero) es un anime, basado en una creación italiana, sobre un encantador aunque desafortunado pollito antropomorfizado de dibujos animados. Es el único de plumaje negro en una familia en la cual todos los demás pollitos poseen plumaje amarillo y se caracteriza por llevar la mitad de su cascarón sobre su cabeza. El personaje protagonizó varios trabajos de animación en Italia, así como dos animes producidos por Toei en 1974 y 1992, respectivamente. En la actualidad, para conmemorar el 50 aniversario de su creación, TV Tokyo está produciendo una nueva serie en CGI que será estrenada en 2014.
Calimero apareció por primera vez en 1961, creado por los hermanos Nino y Toni Pagot y por Ignazio Colnaghi, para la publicidad del detergente "Ava - Mira Lanza", cuyos anuncios eran emitidos en el programa publicitario Carossello que se emitía de 20:50 a 21:00 para toda Italia. En la publicidad del detergente, Calimero era un pollito inicialmente negro que recuperaba su plumaje amarillo al ser lavado con el detergente del anuncio. Apareció primero en la serie "La costanza dà sempre buoni frutti", traducible como "La constancia da siempre buenos frutos", y luego en una serie dedicada a él titulada "Calimero, el pollito negro" a partir del 14 de julio de 1963. En esta serie explicaba que su color oscuro se debía a haber caído en el lodo cuando nació. La notoriedad de Calimero pronto fue muy grande en Italia y metió en el léxico colectivo frases del personaje como su célebre frase "Tutti mi vogliono male perché sono piccolo e nero..." ("Nadie me quiere porque soy pequeño y negro..."). En España también adquirió gran popularidad en los años 80. Después de la muerte de Nino Pagot, se recuperaron los derechos sobre Calimero y produjo a principios de los 70 una serie de dibujos animados no publicitarios (en color) de 1 minuto, después 2, luego 5 y por fin 20 minutos. Estos episodios, destinados al mercado internacional, fueron exportados hasta a Japón. Posteriormente, los derechos sobre los personajes fueron adquiridos en Japón y usados para realizar dos series de anime. La primera fue realizada por Toei Animation y se emitió desde el 15 de octubre de 1974 al 30 de septiembre de 1975, y la segunda, con nuevos escenarios y personajes, y mostrando un Calimero de más edad, fue realizada también por Toei en 1992. En total, fueron hechos 99 episodios japoneses (47 en la serie de 1974 y 52 en la de 1992). La serie, que ha pasado al imaginario generacional de aquellos que la conocieron en la infancia, se caracteriza, aparte de por sus personajes animales antropomorfizados y su espíritu infantil e inocente, por el tremendo inconformismo de su protagonista y su sensación constante de ser incomprendido por los demás, manifestándolas en frases como "¡No es justo!", "¡Esto es una injusticia!" o "¡Es que los mayores no me entienden!". A pesar de los muchos años que han pasado desde su emisión, todavía se utiliza el nombre de Calimero para definir a una persona melancólica, insegura, tímida, infantil o ingenua que se siente marginada por los demás con o sin motivo real.
El ambiente de las historias corresponde al lugar de origen de los autores: la provincia de Padua, particularmente los alrededores de Milán. El nombre del pollito viene de la iglesia de San Calimero (Milán) donde Nino Pagot se casó. En la serie oficial publicitaria, Calimero es presentado como el decimosexto pollito de la nidada de una gallina paduana llamada Cesira, que reniega de él porque es negro, aunque sólo en apariencia, y de gallo Gallettoni. Calimero vive una serie de aventuras en las cuales, a pesar de su estatus de patito feo abandonado por su familia, el bien y la verdad triunfan siempre gracias a la buena fe y la honradez del pollito. Al final de cada episodio se muestra que Calimero no es negro: solamente está sucio y es limpiado con el detergente que le publicita. Así como sus padres no ofrecen refugio seguro al pollito, únicamente tiene éxito gracias al producto alabado por la publicidad. Sin embargo, el mundo de Calimero no es completamente, hostil, siendo confortable aunque poblado de numerosos personajes poco recomendables: el grosero Papero Piero o el pedante profesor Galletti. Estos personajes contrastan con otros amistosos como son la novia de Calimero, Priscilla, y sus ocasionales amigos. Las historias del período de Carosello fueron integradas tal cual en la serie de Toei, salvo el mensaje publicitario. En estos episodios (contrariamente a los de Carosello) Calimero vive con sus padres, es querido por ellos y es hijo único. El resto de los personajes permanece igual. Más tarde, en la serie de 1992, la historia sufre un gran cambio, añadiendo nuevos personajes y lugares, y tomando una luz más positiva. Llegado a este punto la serie consistía mayormente en las aventuras de Calimero y su grupo de amigos, que se dedicaban a grabar reportajes metiéndose en problemas continuamente. Para diferenciarla de la anterior, esta serie recibió el título de "Calimero et ses amis" en Francia y "Calimero y Valeriano" en España (ya que la anterior había recibido el nombre de "Calimero y Priscilla" en este país). A finales de los años setenta, Pagot quiso exportar Calimero a los Estados Unidos, pero no fue posible ya que un personaje que es rechazado por ser negro era políticamente incorrecto para la cultura americana de la época y hubiese creado indignación.
Personajes
- Calimero (Karimero) Seiyū: Katsue Miwa (1974) / Shinobu Adachi (1992)
El héroe de la serie, un pollito negro de ojos azules caracterizado por llevar siempre el polo superior de su cascarón sobre su cabeza a modo de casco. En la serie original, Calimero es un personaje típicamente ingenuo e inocente, más bien trágico y que se lamenta con frecuencia de que la vida es injusta con él, pero en la segunda serie Calimero pasa a ser más maduro, despreocupado y feliz, y no tiene ya estos problemas, si bien conserva su proverbial carácter inconformista. En todos los casos, Calimero es generoso y resuelto, y tiene un gran sentido de la justicia, intentando siempre ayudar a todo el que se encuentre en problemas o en una situación injusta. En la segunda serie, Calimero suele llevar un chaleco rojo y le gusta el patinaje sobre ruedas. Está enamorado de su amiga Priscilla, aunque no suele mostrarlo abiertamente.
- Priscilla (Purishira) Seiyū: Michiko Nomura (1974) / Akemi Okamura (1992)
Una pollita de color amarillo, con pelo rubio recogido en la nuca y ojos verdes. Priscilla es tímida y con mucho sentido común, pero puede adoptar un fuerte carácter si es provocada. Está enamorada de Calimero, y no duda en defenderle de todos los que se burlan de él. Priscilla tiene un importante rol en la primera serie, donde es su principal apoyo en el mundo en que viven, y permanece con este papel en la segunda, donde forma parte de su grupo de amigos.
- Valeriano (Juriāno) Seiyū: Yuji Ueda
El mejor amigo de Calimero, un bravo y animado pollito de color verde. Siempre lleva un casco de motociclista rojo y amarillo y un chaleco azul, y suele portar una videocámara al hombro, ya que le encanta grabar reportajes. Dicho afán suele ser la causa del argumento de muchos capítulos, metiendo en líos a todo el grupo en el intento de rodar un documental sobre cualquier cosa. Es muy valiente, pero también muy impulsivo y algo insensato, y no suele pensarse las cosas dos veces. Le gusta montar en monopatín, algo en lo que su casco le ayuda cuando se trata de hacer acrobacias. Valeriano no aparece hasta la segunda serie. En la versión original japonesa, su nombre era Giulano, pero fue cambiado a Valeriano cuando fue emitido en Europa, y es su nombre más conocido.
- Rosita (Roshīta) Seiyū: Hiroko Kasahara
Una pollita más bien tímida con gafas y pelo marrón, que viste una camisa rosa y una falda amarilla. Al igual que Priscilla, Rosita es afable y gentil, pero puede ser seria y contundente si la situación lo requiere. No toma parte con regularidad en las aventuras del grupo, y sólo les acompaña en ellas de cuando en cuando. Está secretamente enamorada de Valeriano.
Rosita no aparece hasta la segunda serie. En el doblaje italiano, su nombre es Rosella.
- Piero (Pītā) Seiyū: Kaneta Kimotsuki / Akirasa Omori
Un pato verde y negro de ojos azules, más alto que los demás miembros del grupo. Sus padres son millonarios, y a causa de ello Piero es un personaje altivo y presumido, además de avaro y pragmático en exceso, pero nunca duda en ayudar a sus amigos sin importar lo que pase. Su mayor deseo es ser famoso. Siempre lleva una gorra rosa con la visera informalmente vuelta hacia atrás y una camiseta azul con bufanda también rosa.
En la primera serie de Toei, Piero era un anodino rival de Calimero que siempre conseguía meterle en líos, pero no tuvo mayor protagonismo ni caracterización hasta la segunda, donde aparece como uno de sus amigos. En el doblaje de España de la primera serie, su nombre es Pedro, y en el doblaje francés, Pietro.
- Susy (Sūjī) Seiyū: Natsumi Sasaki
Una pata de ojos rasgados, con gafas y con pelo marrón recogido en dos coletas, que lleva comúnmente un vestido rosa. Susy es del mismo tamaño que Piero, y al igual que él, sus padres son millonarios, ya que su madre es presentadora de televisión. Susy es bastante quisquillosa, irascible y avara, así como algo cobardica, pero también bastante soñadora. Constantemente demuestra estar enamorada de Piero, pero éste no la corresponde.
- Gallettoni (Garuretoni)
Seiyū: Kenichi Ogata
El padre de Calimero, un atildado gallo carpintero. No aparece en la segunda serie.
- Cesira (Cheshira) Seiyū: Masako Nozawa
La madre de Calimero. No aparece en la segunda serie.
15. Captain Tsubasa (Kyaputen Tsubasa) (litetalmente en español Tsubasa - Alas), es un manga y una serie de shonen creada en 1981 por el historietista japonés Yōichi Takahashi. Fue conocida en España como Campeones: Oliver y Benji y en Latinoamérica como Supercampeones y Super Campeões. El anime se desarrolló apenas dos años después de que circulara el respectivo manga del mismo nombre, y tuvo gran éxito a nivel internacional, siendo emitido originalmente entre 1983 y 1986 por la cadena TV Tokyo y dirigida por Isamu Imakake. En las décadas siguientes se hicieron cortas secuelas televisivas, las cuales no lograron el mismo impacto de la primera adaptación. La historia tiene como tema central el fútbol, narra las intrépidas aventuras de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el anime en español) y sus amigos desde la infancia hasta que son profesionales y llegan a formar parte de la selección nacional de Japón. La Asociación de Fútbol de Japón apoyó el desarrollo de la serie, debido a su potencial para crear aficionados a este deporte. La trama se centra en la relación de Tsubasa con sus amigos, la rivalidad hacia sus oponentes, los entrenamientos, la competición y los acontecimientos en cada uno de los partidos que se juegan. Es importante anexar que los mangas, películas y videojuegos complementan la historia u ofrecen una realidad alternativa de la serie. Estos partidos se caracterizan por las detalladas, espectaculares y, a menudo, imposibles jugadas que llevan a cabo los personajes.
16. Scooby-Doo es una franquicia basada alrededor de una popular serie de televisión animada estadounidense producida por Hanna-Barbera Productions (ahora Cartoon Network Studios) en múltiples versiones desde su estreno por CBS en 1969, hasta el presente.
El formato del programa y el elenco han cambiado significativamente a lo largo de los años. Las versiones más conocidas incluyen a un perro de raza gran danés parlante llamado Scooby-Doo y a cuatro adolescentes llamados Fred Jones, Daphne Blake, Vilma Dinkley y Shaggy Rogers, los cuales viajan a lo largo del mundo en una camioneta llamada "La Máquina del Misterio" (Mystery Machine en su término original), por la cual se transportan de un lugar a otro resolviendo misterios relacionados con fantasmas y otras fuerzas sobrenaturales. Al final de cada episodio, las fuerzas sobrenaturales tienen una explicación racional -generalmente un criminal que espanta a la gente para poder cometer sus crímenes -. Posteriores temporadas del programa presentaron variaciones en el tema sobrenatural, e incluyeron nuevos personajes, como el primo de Scooby, Scooby-Dum y su sobrino, Scrappy-Doo.
Scooby-Doo fue transmitido por primera vez en el período comprendido entre 1969 y 1976, pues al término de éste fue trasladado a la cadena televisiva ABC, la cual terminó cancelando el programa en 1986, presentando en su lugar un spin-off titulado Un cachorro llamado Scooby-Doo, entre 1988 y 1991. Una nueva serie titulada ¿Qué hay de nuevo Scooby-Doo?, fue transmitida en WB Television Network entre 2002 y 2005, hasta que otra serie, Shaggy y Scooby-Doo detectives, fue lanzada por CW network desde 2006, y fue seguida por la más reciente, Scooby-Doo! Misterios S.A., que se estrenó en Cartoon Network en abril de 2010 en Estados Unidos. Esto, sin mencionar el lanzamiento de una gran cantidad de especiales, filmes para televisión, una línea de películas directas a video producidas anualmente, y cuatro películas con actores reales, entre otros trabajos similares. Actualmente, repeticiones de diversos capítulos y películas del personaje son transmitidas por Cartoon Network en Estados Unidos, Brasil, Latinoamérica y otros países. La mayoría de repeticiones de las series clásicas también pueden ser vistas en Brasil e Hispanoamérica a través del canal de cable Tooncast.
Scooby-Doo ha mantenido una significativa y gran cantidad de fans a lo largo de los años, la cual ha ido creciendo sobre todo en la década de 1990 debido a la popularidad del programa entre niños de todas las edades, jóvenes y adultos nostálgicos que crecieron con la serie original. A menudo se atribuye el éxito de la serie a la mezcla de los géneros de comedia, aventura y terror.
«En general, Scooby-Doo no solo es un programa diseñado para estimular las emociones y tensiones de los niños, si no que también crea suficientes risas como para hacerlo divertido sin preocuparlos o darles pesadillas».
David Kleeman, director ejecutivo del centro americano de media infantil, en entrevista en 2003.
Durante sus más de 4 décadas de duración, Scooby-Doo ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos dos nominaciones para los Premios Emmy: la primera, a los Premios Daytime en 1989 por Un cachorro llamado Scooby-Doo, y la segunda en 2003 para la actriz Mindy Cohn en la categoría "Excelente interpretación en un programa animado", por su papel de Vilma en ¿Qué hay de nuevo, Scooby-Doo?, además de dos nominaciones consecutivas a los Kids Choice Awards de Nickelodeon para la serie Scooby-Doo! Mystery Incorporated en la categoría "Mejor programa animado".
En años recientes, Scooby-Doo ha recibido reconocimientos por su popularidad, colocándose a la cabeza de diversas encuestas sobre personajes de dibujos animados. El 3 de agosto de 2002, un artículo de la revista TV Guide presentó su lista de los 50 mejores personajes de dibujos animados de todos los tiempos, en la que Scooby-Doo estuvo en el puesto 22. Scooby también ocupó el decimotercer puesto en la lista de Animal Planet de los 50 animales más grandes de la televisión. En enero de 2009, el sitio web de entretenimiento IGN colocó a Scooby-Doo en el puesto 24 de su lista de las "100 mejores series animadas".
Entre los años 2004 y 2005, Scooby-Doo mantuvo el récord mundial Guinness como la serie animada con mayor número de episodios, siendo eventualmente superado por otras series estadounidenses.
17. Vickie el vikingo es una serie de animación germano/japonesa realizada en 1974, producida por la compañía japonesa Nippon Animation y emitida en España alrededor del año siguiente, haciéndose bastante popular entre los pequeños y adultos. Muestra entre otras cosas, cómo eran los vikingos (de manera superficial, aunque suficiente para saber sobre su cultura), sus barcos, aldeas, y sobre todo, destacaba la importancia que tiene utilizar la inteligencia antes que la fuerza bruta en cualquier situación.
Se basaban en el personaje creado por el escritor sueco Runer Johnson. Se alejaba bastante de las posteriormente emitidas "Heidi" y "Marco", desarrolladas más bien en un ambiente melodramático.
. El desarrollo de las aventuras de Wickie transcurre en parte en una pequeña aldea vikinga llamada Flake (situada entre Suecia y Noruega), allí conviven el joven Wickie, hijo de Halvar (el jefe), Ylvi, la amiguita íntima de Wickie, Ilva, la madre del protagonista y otros personajes de la tribu. El resto de aventuras, transcurren durante los viajes que Wickie realiza con su padre y resto de hombres de la aldea, donde se encuentra con enemigos como el Terrible Sveen, enemigo declarado de Halvar.
Cada capítulo cuenta una historia de lo más variopinta, sobre todo de conquistas, metiéndose los adultos siempre en problemas y saliendo del apuro siempre con la ayuda del pequeño Wickie que con sus geniales ideas (evidenciándose con su particular rasca rasca de nariz, que era señal de que había surgido) a todo encuentra solución.
. Personajes:
Halvar, con un parche en el ojo, jefe de los vikingos del poblado de Flake
Ylva, la esposa del jefe
Vickie su único hijo
Ylvie, amiga íntima de Vicky
Gilby, un chico de edad aproximada a la de Wickie
Tjure, alto y siempre enfadado, peleándose constantemente con Snorre
Monika, esposa de Tjure
Snorre, bajito de estatura, siempre peleándose con Tjure
Urobe, el más anciano de la aldea
Gorm, conocido por su peculiar "estoy entusiasma-do"
Ulme, el poeta, siempre con su lira
Faxe, el glotón, muy alto, siempre encargado de la vigilancia desde el barco
Sven, "Sven, el Terrible" el feroz enemigo de los vikingos de Flake
Baltac, jefe del vecino poblado de Schlack.
18. Heidi es el nombre de un libro infantil de 1880 de la escritora suiza Johanna Spyri. Recibe el nombre del personaje protagonista de la historia, Heidi, una pequeña niña que vive en los Alpes suizos cercanos a la frontera con Austria.
Heidi le ha dado fama internacional a Spyri, y es uno de los libros más leídos de la literatura suiza en el mundo. Es un libro lleno de inocencia, donde se resaltan los valores humanos y el amor hacia la naturaleza.
Originalmente Spyri creó la obra en dos partes: Heidi, en 1880, y De nuevo Heidi, en 1881. A partir de 1885 las siguientes ediciones unieron las dos novelas en un solo tomo, y es así como se conoce la historia en todo el mundo, ya que las traducciones se basaron en la novela unificada. La historia ha tenido adaptaciones en películas y series de televisión, incluyendo cerca de 20 producciones. En cine, existen 10 películas, principalmente de producción estadounidense o de países de lengua alemana. En Hollywood se realizó una famosa película en 1937, donde la protagonista es interpretada por Shirley Temple.
La primera versión en dibujos animados fue la serie japonesa de televisión Heidi (アルプスの少女ハイジ?), de 1974, y ha sido la de mayor difusión, fama y aceptación. Adicionalmente existen varias películas en dibujos animados.
También existen obras teatrales y un drama musical. Varias colecciones de historietas y series televisivas completan la larga lista de obras basadas en el libro original de Johanna Spyri.
19. Los Picapiedra (en inglés The Flintstones) es una serie de animación de la productora Hanna-Barbera Productions. Fue estrenada por la cadena estadounidense ABC el 30 de septiembre de 1960 y fue emitida hasta el 1 de abril de 1966, con un total de 166 episodios y además de algunos especiales y películas.
Los Picapiedra, de Hanna-Barbera1 fue una de las series animadas más exitosas de la historia de la televisión. Fred Flintstone y Barney Rubble eran Pedro Picapiedra y Pablo Mármol. Reflejaban la clase media de la sociedad estadounidense con sus salidas al campo, barbacoas en el jardín, partidas de bolos y un vehículo familiar. Las sufridas esposas, Betty y Vilma tenían que aguantar las ideas de Pedro y la complicidad obligatoria de Pablo, de donde nunca salían bien.
Después de más de 50 años, aún siguen teniendo audiencia alrededor del mundo. La acción tiene lugar en un pueblo llamado Piedradura en una versión ficticia de la Edad de Piedra con una sociedad idéntica a la de los Estados Unidos a mediados del siglo XX. Es un mundo fantástico en el que los dinosaurios, los tigres dientes de sable, los mamuts y otros animales hoy extintos coexistían con los humanos, quienes usaban tecnología similar a la del siglo XX, pero en la que los animales prehistóricos sustituían a los aparatos eléctricos. Los personajes conducían automóviles formados por troncos de madera (troncomóviles), ruedas de piedra, en los que el motor era sustituido por el empuje de los pies de sus ocupantes. Las vestimentas eran de piel animal. Uno de los recursos humorísticos utilizados en sus aventuras era el empleo de animales en las acciones cotidianas. Un ejemplo es que cuando un personaje tomaba fotografías con una cámara instantánea, se mostraba el interior de ella para ver que era un ave la que realizaba la fotografía picando una roca con su pico. Por lo general los animales hacían un comentario quejándose del trabajo que realizaban.
Los personajes principales de la serie se conformaban por dos familias que eran las protagonistas: Los Picapiedra formada por Pedro Picapiedra, Vilma Picapiedra y los Mármol integrada por Pablo Mármol y Betty Mármol. En episodios posteriores se agregaron dos personajes más: los bebés Pebbles Picapiedra y Bam Bam Mármol, además de la mascota Dino y el marciano Gazú. Otro personaje recurrente es el patrón de Pedro, dueño de la cantera, "el Señor Rajuela".
Originalmente la serie se iba a llamar en inglés The Flagstones, pero en el último momento el nombre fue cambiado para evitar confusiones por el nombre The Flintstones.
Los Picapiedra, a pesar de ser un dibujo animado que se supone infantil, trataba temáticas propias de un público adulto: la maternidad (en el caso de los Picapiedra), las siempre complejas relaciones entre suegros y yernos (caso de Pedro con la mamá de Vilma), la ludopatía de Pedro, el consumismo desenfrenado de Vilma y Betty, y el tema más delicado de todos, la infertilidad (en el caso de los Mármol), por la que los Mármol deciden adoptar un niño huérfano (Bam-Bam) al no poder tener uno por sí mismos. Como en el fondo la serie se dirigía a un público adulto, fue presentada por la compañía de cigarros Winston durante algún tiempo, y además los personajes aparecieron en varios de sus anuncios televisivos. Por otro lado, Pedro y Vilma fueron la primera pareja televisiva animada en aparecer juntos en cama.
A continuación expongo un dibujo original de la serie que vi en una exposición en la Imprenta Municipal de Madrid en el año 2021.
20. Looney Tunes es una serie de dibujos animados de la compañía Warner Bros que comenzó su andadura oficialmente en 1930 con el cortometraje Sinkin' in the Bathtub.
De las series que se han producido y distribuido de manera regular, es la segunda más longeva.
A los personajes de dibujos animados más famosos de la Warner a veces se les llama también Looney Tunes, sobre todo en conjunto.
La expresión «Looney Tunes» («Canciones chifladas»), que es una alusión a las Silly Symphonies (Sinfonías tontas) de Walt Disney, a veces se escribe erróneamente como «Looney Toons» («Historietas chifladas»), por entenderse «toons» como aféresis de «cartoons» (en inglés, «historietas» o, por extensión, «dibujos animados»).
Desde 1942 hasta 1969, la serie Looney Tunes fue la más popular en las salas de cine: más aún que las de Walt Disney.
Desde 1938 hasta 1946, los cortos de Looney Tunes terminaban con Porky saliendo de dentro de un bombo, rompiendo el parche, para decir «Th-th-th-that's all folks!» («¡Eso es to... eso es to... eso es todo, amigos!»). Las únicas excepciones de esa norma son el final de Hare Tonic (Chuck Jones, 1945) y el Baseball Bugs (Fritz Freleng, 1946), en los que esa función de Porky era asumida por Bugs Bunny.
21. Itchy and Scratchy (Rasca y Pica en España y Tomy y Daly en Latinoamerica) es una serie de dibujos animados de ficción en la serie televisiva Los Simpson, que se emite en el programa de Krusty el payaso. Muestra a un ratón azul (Itchy en Estados Unidos, Pica en España y Daly en Latinoamerica) siempre matando brutalmente de distintas maneras a un gato negro (Scratchy en Estados Unidos, Rasca en España y Tomy en Latinoamerica).
Itchy and Scratchy es una parodia de la serie de dibujos animados Tom y Jerry, aunque también se parodia al ratón Mickey Mouse (en especial de los episodios más violentos, que se hicieron durante la Segunda Guerra Mundial). De igual modo, satiriza la violencia en los programas de televisión para niños. Además cada episodio de Itchy and Scratchy suele parodiar otras películas, programas de televisión, videos musicales o episodios de la historia.
Bart y Lisa encuentran hilarante su aviesa y estrambótica violencia, pero en un episodio, su hermana menor, Maggie, imita a los personajes de la serie golpeando a su padre Homer en la cabeza, provocando que Marge intente eliminar esa fuente de violencia. En otro episodio, a Homer lo descubrió un productor por su voz, ya que por baja audiencia insertarían a un nuevo personaje en la serie, Poochie, un perro extremo, surfista y skateboarder, que sin embargo no tuvo éxito entre los televidentes.
Se supone que esta serie ficticia se lleva produciendo desde principios del siglo XX, primero para el cine y posteriormente para la televisión. A veces se muestran capítulos antiguos de Itchy and Scratchy satirizando otros aspectos de los primeros años de la animación; por ejemplo, en un episodio de Los Simpson aparece una animación de Itchy and Scratchy muy similar al antiguo Steamboat Willie de Mickey Mouse. También se muestra otro episodio antiguo de Itchy and Scratchy donde se parodia la película Fantasía de Disney. También aparece un parque de diversiones llamado Rascapiquilandia (España) o La Tierra de Tomy & Daly (Latinoamerica), una sátira de Disneylandia.
Cuando el programa pasó a formar parte del Show de Gabbo, fue reemplazado en el programa de Krusty por Worker and Parasite ("Obrero y Parásito"), "el programa favorito de Europa Oriental".
En la vida real, Itchy & Scratchy también han tenido una colección de comic-books publicada por Bongo Comics Group. Ediciones B la publicó con escaso éxito en España con el nombre de Pica y Rasca.
En una fecha anterior al tiempo en que se comete la acción de la serie — según Bart comenta a Lisa (le dice que era muy pequeña para recordarlo) cuando visitaron el parque de diversiones arriba mencionado — Itchy and Scratchy tenían más personajes: una almeja llamada Ku Klux Klam (Ku Klux en España y Ku Klux Klany en Hispanoamérica), una cabra, Disgruntled Goat (la Cabra Mala Uva en España y el Chivo Berrinches en Hispanoamérica), y una hormiga, Uncle Ant (Tío Hormiga).
Letra de la canción
Ellos pelean,
y muerden.
Ellos pelean y muerden y pelean.
Pelean pelean pelean, muerden muerden muerden.
¡El show de Rasca y Pica!
22. Speedy Gonzales, apodado "el ratón más veloz de todo México", es un personaje animado de la serie Looney Tunes de Warner Brothers. Sus características más importantes son su increíble velocidad. Speedy Gonzales generalmente usa un gran sombrero amarillo, ropa blanca y un pañuelo rojo atado en el cuello.
Speedy debutó en el cortometraje Cat-Tails for Two de 1953, dirigido por Robert McKimson. En esta primera versión presentaba algunas diferencias estéticas, destacando uno gran diente de oro y vistiendo solo una camiseta roja. Dos años más tarde, Friz Freleng y el animador Hawley Pratt, rediseñaron al personaje hasta alcanzar su apariencia actual, con un traje blanco, un pañuelo rojo y su sombrero amarillo. La nueva versión debutó en Speedy Gonzales (1955). En este corto participa el gato Silvestre, que abusaba de unos ratones. La animación ganó el premio de la academia para el mejor corto animado en 1955, y fue además la primera vez que Speedy decía su célebre frase "¡Ándale! ¡Ándale! ¡Arriba! ¡Arriba!".
Freleng y McKimson pusieron a Silvestre como el némesis de Speedy, una especie de "el Coyote y el Correcaminos". Silvestre se ve constantemente humillado y derrotado por el ratón, y sufre un gran número de accidentes con trampas de ratones o salsa picante. En algunos capítulos Speedy está en compañía de su primo, El lento Rodríguez (también llamado Tranquilino), "el ratón más lento de México". Aunque lento comparado con Speedy, él se defendía con una pistola y nunca se le vió que necesitara ayuda de Speedy. En los años sesenta el enemigo de Speedy pasa a ser el Pato Lucas.
En 1999, con la creación del canal de televisión Cartoon Network, los cortometrajes de Speedy Gonzales dejaron de ser emitidos. Según la vocera Laurie Goldberg, esto se debió a los "estereotipos étnicos" que mostraban. La medida fue criticada por los fanáticos del personaje, quienes trataron de convencer al canal de volver a emitir los cortometrajes. La Liga de ciudadanos latinoamericanos unidos se refirió a Speedy como un "ícono cultural". En 2002, Cartoon Network volvió a mostrar los episodios donde aparecía el personaje.
23. El Pájaro Loco o Loquillo (Woody Woodpecker en el original inglés) es un cortometraje animado creado por Walter Lantz y diseñado originalmente por el dibujante Ben Hardaway, autor también de Bugs Bunny y el Pato Lucas, con quienes comparte un estilo alocado de comedia; como ellos, es un animal antropomorfo.
Producido por Walter Lantz (Walter Lantz Productions) y distribuido por Universal Studios, el Pájaro Loco apareció a finales de la década de 1930 y apareció regularmente hasta 1972, cuando Walter Lantz cerró su estudio. Las repeticiones continúan al día de hoy en diferentes canales de televisión alrededor del mundo, y el personaje ha aparecido en varias producciones especiales, entre ellas ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Es una de las estrellas del cine de animación que tiene una estrella propia en el Paseo de la Fama de Hollywood.
A Walter Lantz se le ocurrió este personaje durante su viaje de luna de miel. Un día mientras llovía, escuchó un insistente pájaro carpintero que no dejaba de taladrar su techo. Molesto, salió fuera de la casa y arrojó una piedra para espantarlo, cosa que logró no sin que antes el ave emitiera un grito muy particular que fue el que dio origen a la risa estridente y característica de este personaje. El creador presentaba cada episodio en su oficina y mostraba a los espectadores como se hacía cada historieta, enseñando los objetos primarios para crearlas, como la pintura cels y los storyboards. Pájaro Loco y sus amigos también son iconos en el parque PortAventura en España. Llevó al parque de Universal Studios, Club Woody & Friends sigue allí a pesar de universal no tener un interés financiero en el parque.
En la década de 1940, la personalidad del Pájaro Loco era decididamente extrovertida, alocada, y desprejuiciada, abrumando a su ocasional adversario con bromas, gags, y chistes, todos en rápida sucesión y adornados con la risa característica del personaje. Estos rasgos y el realismo de sus historias cómicas le valieron gran popularidad al Pájaro Loco entre el público, pero las "locuras" del personaje debieron ser paulatinamente reducidas a partir de la década de 1950 cuando el Pájaro Loco empezó sus apariciones televisivas y sus directores debían cumplir las normas federales de protección a los menores: las manifestaciones (o insinuaciones) de violencia, tabaco, alcohol o sexo casi desaparecieron.
Aunque los rasgos físicos del Pájaro Loco variaron con los años, sus rasgos prominentes -la cabeza roja, en particular, el pecho blanco y el comportamiento agresivo- lo asemejan al pájaro carpintero cabecirrojo (Melanerpes erythrocephalus), una especie endémica de las regiones orientales de los Estados Unidos.
Posee, posiblemente, la risa más famosa en la historia de los dibujos animados: su inconfundible «¡jejejejéje!». Es muy rápido, imprevisible, revoltoso, alocado, estrepitosamente divertido y extremadamente identificable.
El personaje del Pájaro Loco fue considerado en EE.UU. como el más políticamente incorrecto y audaz de su tiempo. En una época cuando las historietas intentaban promover un mensaje positivo o educativo, el Pájaro Loco rompía tabúes; en sus historietas había insinuación sexual y un consumo desenfrenado de tabaco y alcohol.
En su segunda etapa, Loquillo (Pájaro Loco) llegó a España más moderado. Cambió su aspecto físico, pero rompiendo también los moldes establecidos en las historietas animadas que se pasaban por TVE.
Este famoso personaje ha sido principal de 197 cortos y 350 películas de dibujos animados. En 1978, La Academia otorgó a Walter Lantz un Oscar Honorifico por su contribución al cine animado y por el Pájaro Loco. Listado de Oscar Honorificos La serie adquirió gran popularidad en España a finales de los años 80.
La serie comprendía episodios de media hora que presentaba cortos no sólo de Woody Woodpecker El Pájaro Loco, sino también de Andy Panda, Chilly Willy, Inspector Willoughby (El Bigote que Investiga), Wally Walrus (Pablo Morsa) y muchos más.
24. Tom y Jerry (Tom and Jerry en inglés) son dos personajes animados, un gato (Tom) y un ratón (Jerry), que protagonizaron un gran número de cortometrajes, escritos y dirigidos por William Hanna y Joseph Barbera (anterior a la fama de Hanna-Barbera). Las series fueron producidas por el estudio de Hollywood Metro-Goldwyn-Mayer desde 1940 hasta 1958, cuando el grupo de animación del estudio fue cerrado. MGM, en 1960, subcontrató la producción de Tom y Jerry a Rembrandt Films (dirigido por Gene Deitch) en Checoslovaquia. En 1963, la producción de los cortos de Tom y Jerry regresaron a Hollywood con Sib-Tower 12 Productions de Chuck Jones; estas series duraron hasta 1967. Tom y Jerry regresó luego en forma de caricaturas para la televisión por Hanna-Barbera (1975-1977; 1990-1993) y Filmation Studios (1980-1982). Los cortos de Hanna-Barbera son importantes por haber ganado siete premios Óscar, empatando con Silly Symphonies de Walt Disney como las series animadas con más premios.
La trama de cada cortometraje se centra principalmente en los intentos frustrados de Tom por atrapar a Jerry, y el caos y destrucción que esto provoca.
Tom rara vez tiene éxito derrotando a Jerry, principalmente debido a la destreza y astucia de Jerry, pero algunas veces se debe a la propia estupidez de Tom. Tom solo vence a Jerry cuando éste se convierte en el instigador o cruza cierto tipo de línea; la astucia de Jerry se genera al estar casi siempre a la defensa (bastante parecido a Bugs Bunny). Los cortometrajes han sido famosos por mostrar escenas fuertes que fueron consideradas en su momento como excesivamente violentas, ya que se podía ver al raton Jerry cortando a Tom por la mitad, a Tom usando diferentes armas como hachas, pistolas, rifles, explosivos y veneno, Jerry quemando la cola de Tom con una máquina para hacer waffles, y muchas más. En sus intentos por capturar a Jerry, Tom algunas veces tiene que lidiar con otros personajes como Butch, un desaliñado gato negro que también quiere atrapar al ratón; Spike (también conocido como Killer o Butch), un perro bulldog que ataca al gato; y Mammy-Two-Shoes (voz hecha por Lillian Randolph), una mujer afroamericana que trabaja en la casa, quien generalmente golpea al gato con una escoba cuando él se porta mal. Al igual que otros dibujos animados de los años 1940, 1950 y 1960, Tom y Jerry no fue considerado políticamente correcto durante algún tiempo. La serie fue tildada de racista, al mostrar a sus personajes con la cara negra tras recibir una explosión.Un ejemplo de esto fue el cortometraje Mouse Cleaning, donde Tom queda con la cara negra luego de caerle una gran cantidad de carbón. Tras esto, el gato comienza a hablar en un acento similar al utilizado por el actor afroamericano Stepin Fetchit, por lo que la escena fue editada años después. El personaje de Mammy Two Shoes, que representaba un estereotipo racial, fue editado y reemplazado por el de una mujer de raza blanca. Durante los años 80, los cortometrajes donde aparecía Mammy Two Shoes fueron recuperados y emitidos por televisión.
La música forma parte importante en los cortos, enfatizando las acciones y demostrando las emociones en las escenas. El director de música Scott Bradley creó complejas obras que mezclaban jazz, música clásica y música pop.
25. Hong Kong Phooey es una serie de 16 episodios (31 cortos) de Hanna-Barbera estrenada y emitida en la ABC desde el día 7 de septiembre de 1974 al 4 de septiembre de 1976. La estrella, Hong Kong Phooey, es el alter-ego secreto de Penrod Pooch, o Penry (a veces mal pronunciado "Henry"), un "apacible conserje", como suelen definirle, de la estación de policía. Una llamada telefónica y Penry tira su escoba en el suelo, salta en dirección el último cajón de un fichero, que después de cuatro golpes dados por el gato Spot se abre el primer cajón y entra nuestro super-héroe. Cae sobre una tabla de planchar ropa, que abre un pasaje secreto, se cae sobre un sofá viejo que lo tira hacia un cubo de basura. Enseguida, como por mágia, sale en su coche vestido de oriental que al sonar un pequeño gongo se transforma en varios otros vehículos de transporte.
De esta forma empiezan siempre las aventuras de Hong Kong Phooey, el superhéroe número uno de la ciudad. Aunque no tiene ningún superpoder, Penry se cree todo un experto en artes marciales gracias a su Libro de Kung-Fu de Hong Kong, en el cual vienen explicadas toda clase de técnicas profesionales de Kung-Fu. Poco se sabe de la credibilidad del libro, pero Penry está empeñado en ser un superhéroe y salvar al mundo cueste lo que cueste, aunque casi siempre le sale bien gracias a alguna que otra idea de su fiel amigo y ayudante de desventuras Spot y mucha suerte. Irónicamente, aunque Hong Kong Phooey sea una risa de héroe siempre sale bien parado y tiene muchos admiradores en la ciudad y en otras partes del mundo gracias a su fama. No hay quien no conozca a Hong Kong Phooey, el héroe de pacotilla con más suerte del mundo.
26. Popeye el marino es un famoso personaje de tiras cómicas y de cortometrajes de dibujos animados. Fue creado por Elzie Crisler Segar1 y apareció por primera vez en la tira cómica Timble Theatre de King Features Syndicate, en la edición del The New York Evening Journal del 17 de enero de 1929.
Su nombre proviene del inglés Pop-eye /pɒpaɪ/ que literalmente significa Ojo saltón, pero que se refiere a su ojo tuerto, término común en los marineros.
En la mayoría de sus apariciones, Popeye es caracterizado como un marinero independiente con una peculiar forma de hablar y reir, músculos de los brazos super desarrollados con tatuajes de ancla en ambos y una omnipresente pipa de caña de maíz en su boca. Tiene el cabello rojo y una prominente quijada. Varía verlo vestido de marino con uniforme blanco o con pantalón de mezclilla azul, camisa azul marino o negra y su gorra de marino ya sea como de capitán o pequeña. Generalmente es dibujado con su ojo izquierdo de color azul. Jamás se ha revelado cómo perdió el derecho.
Su extraño humor se reparte en una serie de aventuras a lo largo del mundo en las cuales se ha enfrentado a diversos enemigos, siendo el más conocido Bluto o Brutus. Una de las características más conocidas de este personaje es el consumo de espinacas, las cuales aumentan su fuerza a límites sobrehumanos.
No se sabe con exactitud a qué rama de las fuerzas armadas sirvió Popeye. Aunque nunca se le ha mostrado sirviendo a la marina en ninguna de sus tiras cómicas, las series animadas lo han relacionado con los Guardacostas de los Estados Unidos (Popeye the Sailor Meets Ali Baba's Forty Thieves de Fleischer Studios), la Armada de los Estados Unidos (cortometrajes producidos por Fleischer/Famous Studios durante la Segunda Guerra Mundial) o la United States Merchant Marine.
La primera aparición de Popeye fue el 17 de enero de 1929 como un personaje secundario de la tira cómica de Segar Thimble Theater, la cual era publicada desde 1919 en el periódico The New York Evening Journal. La tira era protagonizada por Olivia Olivo, su hermano Castor Olivo y el novio de ella, Ham Gravy.2 Popeye fue contratado originalmente por Castor y Ham para pilotar el barco que los ayudaría a cazar una gallina mágica. Semanas después, mientras viajaban de vuelta, Popeye recibe un disparo, pero la gallina le otorga fuerza sobrehumana como respuesta a sus cuidados. Aunque el personaje iba a tener un carácter temporal en la historia, su popularidad fue aumentando con el paso del tiempo y se transformó en el protagonista de la tira cómica. Además, Olivia dejó a Ham para convertirse en la nueva novia de Popeye. En 1933, Popeye recibió un bebé por correspondencia, al cual adoptó y bautizó Cocoliso.(por la ausencia de cabello) Otros personajes regulares dentro de la tira cómica fueron Pilón, un vividor glotón y amante de las hamburguesas; George W. Geezil, un zapatero barbudo que no se llevaba bien con Pilón; y Eugene the Jeep, un animal amarillo traído de África. Además estaba la Bruja del mar (última bruja sobre la tierra) y Alice the Goon, su secuaz.
La tira cómica presentaba ciertas diferencias con las series animadas. Las historias eran más complejas, con varios personajes que no aparecieron en los dibujos animados (el rey Blozo, por ejemplo). El uso de la espinaca no era muy habitual y Bluto solo tuvo una aparición. Segar firmaba las primeras tiras cómicas con un cigarrillo, debido a que su apellido era un homófono de "cigar" (cigarrillo en inglés).
Thimble Theater se convirtió en una de las tiras cómicas más populares de King Features durante los años 30 y continuó siendo publicada durante décadas. Tras la muerte de Segar en 1938, la tira cómica pasó a estar a cargo de varios artistas. En los años 50 fue creado un spin-off titulado Popeye el marino. Debido a la popularidad creciente del personaje, Thimble Theater cambió su nombre a Thimble Theater Starring Popeye en los años 60, y finalmente a Popeye en los años 70.
En 1960, King Features Syndicate planeó la creación de nuevos dibujos animados de Popeye, pero esta vez solamente para televisión. Mercer, Questel y Beck regresaron a sus roles, la serie fue producida por un gran número de compañías, incluyendo Jack Kinney Studios, Rembrandt Studios y Paramount Cartoon Studios (antiguamente Famous Studios). Los dibujos eran simples y poco detallados, para ajustarse al presupuesto de televisión, y fueron creados 220 episodios en solo dos años, los cuales comenzaron su transmisión en otoño de 1960, la temporada finalizó en 1962. Debido a que King Features tenía los derechos de Popeye, cerca de la mitad fueron parte de un DVD que conmemoraba el cumpleaños número 75 de Popeye, el cual fue puesto en venta en 2004.
Muchos de estos episodios estaban basados en las historias de las tiras cómicas, además se incorporaron personajes como el rey Blozo y la Bruja del Mar.
El 9 de septiembre de 1978, The All-New Popeye Hour debutó en la programación matutina del sábado en CBS. La serie tenía una hora de duración y fue producida por Hanna-Barbera Productions, estaba basada en la tira cómica principalmente, además se vio limitada por la reglamentación sobre violencia en dibujos animados. The All-New Popeye Hour fue emitida por CBS hasta septiembre de 1981, cuando su duración fue disminuida a media hora y el nombre cambiado a The Popeye and Olive Show.
27. Súper Ratón (en inglés: Mighty Mouse) es un personaje de dibujos animados creado por el estudio Terrytoons, como una parodia de Superman. Apareció por primera vez en 1940 en un cortometraje animado teatral titulado The Mouse of Tomorrow (El ratón del mañana). El nombre original de este personaje era Super Mouse (literalmente, Súper Ratón), pero cuando Paul Terry vio que había un personaje de comic books del mismo nombre, lo cambiaron por Mighty Mouse (Ratón Poderoso). Súper Ratón originalmente vestiria un disfraz azul con una capa roja, como Superman, pero con el tiempo lo cambiaron por un disfraz amarillo, manteniendo la capa. El origen de sus poderes era la alimentación especialmente rica que había seguido en un supermercado. Al igual que otras imitaciones de Superman, los poderes de Mighty Mouse le permitían volar y lo hacían increíblemente fuerte e invulnerable. Por lo menos una vez mostró tener "visión de rayos X", y en varias historias utilizó una forma de "súper-hipnosis", que incluso le permitían dominar objetos inanimados y volver atrás el tiempo, su talon de aquíles era si dejaba de comer aquello que le daba sus superpoderes, ya que esto lo debilitaba y le hacía perderlos. La novia de Súper Ratón era una ratona llamada Pearl Pureheart, y su archienemigo era el gato Oil Can Harry. Estos personajes fueron creados para una serie de animaciones de Mighty Mouse que parodiaban los viejos seriales de la época del cine mudo en los que cada episodio tenía un final de suspense: las historias solían empezar con Súper Ratón y Pearl Pureheart ya en una situación desesperada, como si fuera la continuación de uno de estos episodios de serial. A menudo los personajes cantaban arias de parodias de ópera. Mighty Mouse no era extraordinariamente popular, pero se convirtió en un icono cultural cuando Paul Terry vendió los archivos de Terrytoon a la televisión. Sus dibujos se convirtieron en un ingrediente básico de la programación infantil de la televisión estadounidense desde los años cincuenta a los ochenta. Se vendieron también a emisoras de otros países, como Televisión Española. En los ochenta, el animador Ralph Bakshi creó una nueva serie de dibujos de Súper Ratón, titulada Las nuevas aventuras de Súper Ratón (The New Adventures of Mighty Mouse). Esta serie se dirigía más a adultos que a niños, y su tono altamente satírico la convierte en un artículo de coleccionista: coleccionistas de series de televisión más viejas buscan episodios del Mighty Mouse de Bakshi.
Las nuevas aventuras de Súper Ratón fue objeto de controversia en los medios cuando una escena fue interpretada como una forma de uso de la cocaína. En el episodio The Littlest Tramp, una ratona intenta vender flores, pero un hombre rico la humilla constantemente destruyendo sus flores. Sin flores para seguir vendiendo, la ratona hace nuevas flores de objetos como pedazos de tomate, pero el hombre destruye esas flores también. Súper Ratón intenta comprarlas con un pedazo de queso, pero la ratona le dice que hay personas que pueden tener más problemas que ella y le da las flores que el hombre había destruido. Luego de ayudar a algunas personas, Super Ratón recuerda a la ratona y trata de oler las flores que ella le había dado, que ahora estaban convertidas en polvo rosa y las inhala en el proceso. Finalmente encuentra al hombre que ha estado humillado a la ratona y le pega unas palmadas en el trasero. La ratona no demuestra rencor al hombre rico, quién conmovido, se casa con ella. Una familia en Kentucky vio el episodio y supuestamente interpretó la escena, creyendo que Super Ratón estaba inhalando cocaína. La familia llamó a la American Family Association en Tupelo, Misisipi. El grupo exigió que Bakshi fuera sacado de la producción de la serie. Bakshi y la CBS negaron los alegatos, con el primero declarando que el incidente "da golpes del Macartismo. No voy a averiguar sobre quién inhala qué. Es una locura." Para disminuir la controversia, Bakshi aceptó cortar 3 segundos y medio del episodio. El reverendo Donald Wildmon clamó que la edición era "una admisión de facto" del uso de la cocaina, aunque Bakshi mantuvo que el episodio era "totalmente inocente." Es por Fritz a quién persiguen después de Super Ratón. Crecí en Brownsville en Brooklyn y estudié en la Escuela Secundaria de Artes Industriales. Recuerdo a los profesores que renunciaron. Debido al Marcatismo, ellos no pudieron enseñar lo que querían. Esto es lo mismo. Super Ratón fue feliz después de haber olido las flores que le recordaban a la chica ratona que se las vendió amablemente. Pero aunque estuvieras en lo cierto, estas acusaciones forman parte del aire que respiramos. Por eso corté la escena. No puedo tener a niños preguntándose si Super Ratón está consumiendo cocaina. Ralph Bakshi en una entrevista del New York Times.
28. El Oso Yogi, en español se pronuncia Oso Yogui, es un personaje ficticio de dibujos animados. Es un oso antropomorfo y parlante, creado por los estudios de animación de Hanna-Barbera y los episodios de sus aventuras comenzaron a emitirse en 1958 por las cadenas de televisión estadounidenses sindicadas. Sus aventuras se emitíeron dentro del programa infantil El Show de Huckleberry Hound conjuntamente con los episodíos de Huckleberry Hound y Pixie, Dixie y el gato Jinks. Sin embargo la popularidad de Yogi, fue tal, que abandonó El Show de Huckleberry Hound y pasó a protagonizar el suyo propio.
Su proyección fue internacional, emitiendose en casi todo el planeta y llegando más allá que el resto de sus compañeros. Su popularidad siguió creciendo apareciendo en películas, especiales televisivos, álbumes de historietas y creándose nuevas series en las que como protagonista agrupaba en torno a él al resto de personajes de Hanna-Barbera. En España, llenó muchas horas de televisión, integrándose en el programa Un globo, dos globos, tres globos (1974), tras la emisión del primer Barrio Sésamo (1976), La Mansión de los Plaff (1978) y resistiéndose a desaparecer tras la segunda temporada de Barrio Sésamo (1979-1980). Desde 2001 los derechos de marca de dicho personaje pasaron a ser propiedad de Cartoon Network Studios.
Yogi: Yogi está basado en el personaje de la serie Luna de Miel (Honeymooners) Interpretado por Art Carney, Ed Norton. Mientras que el nombre de "Yogi" fue inspirado en el nombre del beisbolista Yogi Berra. La mayoría de los capítulos de las series en las que aparerece Yogi se centran en el Jellyston una caricatura del nombre de Yellowstone (Rocaamarilla), por (PiedraJalea) muy parecido en sonido y en color. Es un oso pardo, de pelaje castaño, tocada su cabeza con un sombrero Stetson de color verde. Viste un cuello de camisa de color blanco y una elegante corbata del mismo color que su sombrero ceñida con menudo nudo. Cuando anda suenan tambores. Suele hablar en pareado, y le gusta exclamar"!Ey, Ey, Ey, Ey, Ey¡", disfruta de un excelente humor y una confianza en sí mismo a prueba de bombas. Cuando decide algo, no hay nada que hacer, es un caso perdido de antemano. Otra cosa que le define es su pasión por las personas y su comida. Adora a los turistas y sus manjares. Y si en Jellystone hay turistas y no ha podido robarle la cesta a alguno, ha perdido el día. Tanta es su pasión, que cuando la comida escasea, le llega la nostalgía, entonces le vienen los deseos de escapar de Jellystone y viajar a la ciudad de los hombres, andar entre ellos y comer sus viandas. Por fortuna para Yogi, tiene un compañero fiel que siempre está a su lado, y cuando Yogi se ciega, le ayuda en todo para que no salga lastimado. Este es BuBu.
BuBu: Boo-Boo en inglés, es un oso que vive con Yogi en Jellystone. Es de color pardo claro, luce pajarita color morada, y luce un flequillo despeinado.Bubú es tranquilo y prudente y siempre sigue de cerca a Yogi, preocupado por lo que va a hacer advirtiéndole de que puede metérsele en algún lio o problema. La relación de Yogi con Bubú puede ser comparada con la relación de Don Quijote y Sancho Panza, al ser dos buenos amigos, aventurescos y curiosos, además de que comparten la característica de un líder y un seguidor. Es común escuchar la frase "¡Hey BuBu!", dicha por Yogi cuando quiere hablarle a su amigo.
El Guardabosques John Francis Smith: es el Guardabosques del Parque de Jellystone también es un oso pardo, y se ha convertido en la némesis de Yogi. Es un hombre flaco y enérgico vestido con el uniforme verde oliva y con un sombrero de ala ancha típico de los Guardabosques de EE.UU. Se sulfura con facilidad, y que en ocasiones queda agotado de tantas contrariedades como le trae Yogi. Y no es que a él le guste incordiar, tan sólo espera que en el Parque reine la paz y el orden, que los turistas disfruten y los animales permanezcan en su lugar.
Cindy: Considerada la novia de Yogi. Esta es una osezna de color gris. Es coqueta y de maneras refinadas. Suele llevar una sombrilla con la que jueguetea timorata. Luce flequillo plano sobre la frente y una margarita adorna su pelo. Sus ojos coquetos con resaltan largas pestañas. Pañuelo amarillo anudado al cuello y tan solo viste una falda corta de volantes azul.
La novia de Yogi, Cindy, apareció pocas veces en la primera serie de Yogi. Pero poco a poco fue convirtiéndose en un personaje más habitual. Al principio desaprobando las acciones cometidas por el oso. Aunque en diversas de las ocasiones se puede ver a estos dos personajes en actitud cariñosa, al final de la serie fue considerada una osezna parda.
29. El Lagarto Juancho (Wally Gator en inglés) es un personaje de dibujos animados creado por la factoría de animación de Hanna-Barbera. Se trata de un Aligator antropomórfico parlante cuyas aventuras se emitieron por las emisoras sindicadas de televisión estadounidenses a partir del 3 de septiembre de 1962 dentro del programa infantil las Nuevas series animadas de Hanna-Barbera (The New Hanna-Barbera Cartoon Series). En dicho programa, Juancho estaba acompañado de las series de Leoncio León y Tristón y de la Tortuga D' Artagnan.
Juancho está completamente adaptado a su residencia, un jardín zoológico en Florida, y al entorno humano. Sus únicas ansias de escape se deben a su curiosidad por investigar la ciudad, lo cual lo mete en innumerables problemas con el señor Horacio, su cuidador.
Mucho más peligrosos que él resultaban los humanos con que se encontraba en sus andanzas, que invariablemente lo perseguían para utilizar su cuero en marroquinería.
En la realidad, el cuero de un caimán adulto resulta inútil para la confección de artículos de piel, por la gran dureza de la piel de los osteodermos.
En Chile, el recorrido Pedro de Valdivia Pudahuel tenía como personaje al Lagarto Juancho pintado en sus laterales y frontales de sus buses. Con la licitación de 1992, hasta la creación del Transantiago en 2007, muchos de sus buses reemplazaron el Lagarto Juancho pintado, por un autoadhesivo del mismo personaje, puesto en su lateral trasero, hasta que Buses Gran Santiago tomó la administración de su variante 377.
En la ciudad de Tampico Tamaulipas Mexico, se ubica la laguna del carpintero. Donde viven un sinumero de especies animales, pero el más conocido es el 'lagarto juancho'el cual se asolea en las cálidas tardes del puerto jaibo.
30. Leoncio el león y Tristón (Lippy the Lion & Hardy Har Har, título original en inglés ), se trata de un serie de dibujos animados sobre las aventuras que corren sus protagonistas creados por la factoría de animación Hanna-Barbera. Se trata de un León del Atlas y de una hiena moteada antropomórficos y parlantes cuyas aventuras se emitieron por las emisoras de televisión estadounidenses sindicadas a partir de 3 de septiembre de 1962. La emisión de la serie Leoncio el León y Tristón se dio dentro del programa infantil de media hora de duración Nuevas series animadas de Hanna-Barbera, donde compartían el espació con otros personajes de la compañía H-B, tal que La Tortuga D' Artagnan y El Lagarto Juancho. El programa finalizó en 1963. Posteriormente los derechos de emisión fueron cedidos a la cadena Cartoon Networks que reemitió los episodios.
Argumento: Leoncio es un León pobre, aventurero, voluntarioso y optimista que busca a la fortuna esquiva allende va. Piensa positivamente y que las cosas no tienen por que salir mal y que en algún momento la fortuna le abrazará y se hará rico, famoso y la vida le sonreirá. Por el contrario, a su lado fielmente le sigue Tristón, un pesimista empedernido que parece estar obstinado en demostrarle lo equivocado que está. Constantemente le advierte de que sus aventuras le comportarán males, y parece un vidente porque es abrir la boca y las cosas se ponen mal. Y ya los puedes ver a los dos corriendo para salvar la piel. Con la persistente coletilla amargada de Tristón Oh Cielos!, Leoncio te lo dije.
31. Maguila Gorila es el dibujo animado de un gorila creado por los Estudios de Animación Hanna-Barbera. La serie de sus aventuras fue emitida por las emisoras sindicadas de la Televisión Estadounidense el 14 de enero de 1964. Dentro del programa infantil titulado el Show de Maguila Gorila. Dentro del programa se incluían las series Punkin Puss y Mush Mouse y El Conejo Ricochet y Coyote Droop-a-Long.
La serie de El Conejo Ricochet y Coyote Droop-a-Long sería sustituida tras diez capítulos emitidos, por los episodios de la serie Casioso y Achú, cuyas aventuras habían pertenecido con anterioridad al Show de Pepe Pótamo.
Transcurridos dos años de emisión del Show de Maguila Gorila, en 1966 la cadena Estadounidense ABC adquirió los derechos de los programas infantiles, el Show de Maguila el Gorila y el Show de Pepe Pótamo y unió ambos programas en uno único. El programa resultante tomó el título de El Show de Pepe Pótamo inaugurado en enero de 1966.
Maguila: Maguila es un Gorila de color pardo, que luce un Bombín de color azul marino adornado con una cinta verde con topos negros sobre su cabeza. Se adorna con una pajarita azul marino. Viste unos pantalones cortos de color rojo que le vienen anchos por lo que los sujeta con unos llamativos tirantes de color verde. Sobre sus manos inferiores, calza unos enormes zapatones de color marrón acordonados. A veces lleva bastón y un gracioso pañuelo que le sale del bolsillo.
Tiene la gran pasión por practicar el patinaje, por ellos siempre que puede se calza unos patines, y allá va él. Lo malo es que siendo tan emorme y patoso, siempre acaba rompiendo algo,y recibiendo las reprimendas del Señor Pebbles.
El Señor Pebbles: El Señor Pebbles, es un hombrecillo menudo, bajito, de complexión maciza sin ser grueso. Calvito, con dos pelos en cortina por arriba y mata de pelo en la parte de la nuca. El cabello lo ha ido perdiendo a causa de los disgustos que le ha causado Maguila. Sobre su amplia cabeza redonda luce bigote y suele ir vestido con un chaleco de punto de color turquesa, camisa blanca, pantalón azul y zapatos negros.
Chispas: Maguila tampoco carece de otros amigos. Uno de ellos, como el más notable es Chispas o Chispitas. Chispas es niñita pequeña de unos seis años, de pelo pelirrojo anaranjado largo recogido por detrás y con coletitas a los lados sujetas con dos lazos blancos abiertos.
Viste un vestidito de manga corta y con faldita de color blanco, que apenas le tapa los pololos. Sobre sus piernas leotardos blancos y zapatos de niña con hebilla blancos. Sobre su cabeza un sombrerito de ala, también blanco adornado con florecitas.
Chispas comparte sus piruletas con el simio y sueña que un día tendrá suficiente dinero, para comprarle y darle un precioso hogar a Maguila.
La palabra preferida de la niña es precisamente Chispas, la cual dice constantemente cuando se sorprende. A Chispas también le gusta hacer burbujitas de jabón.
Maguila fue comprado por el señor Peebles, para su tienda de mascotas, pero cuando este vio que era nadie deseaba comprarlo se dio cuenta de su error. Desde entonces Maguila vive en la Pajarería del Señor Pebbles, y pasa el día tras el escaparate de la tienda, esperando a un comprador y comiendo bananas.
El Señor Peebles suele quejarse mucho de su mala suerte, y de lo que cuesta mantener a su Maguila y desea quitárselo por todos los medios de encima.
Por ello Pebbles a bajado repetidamente el precio de Maguila, pero aun así solo ha conseguido venderlo por corto tiempo, casi siempre a ladrones que lo necesitan para robar un banco o a una agencia que precisa de una mascota para la promoción de su producto más reciente.
Por ello Peebles en cuanto presiente que Maguila no está con el dueño adecuado sale a la carrera para recuperarlo. Por que en el fondo le ha tomado un gran aprecio a su grandullón.6
La única clienta interesada en comprar al gorila es su mejor amiga, Ogee(en la versión original Estadounidénse) ó Chispas (llamada así precisamente por que esa es su palabra preferida), una pequeña niña que lamentablemente nunca tiene dinero suficiente para comprarlo.
Pero Maguila es más que eso, pues su carácter es afable y conciliador, y a pesar de ser muy fuerte,y un tanto patoso, pues siempre está rompiendo algo, siempre hay una gran dulzura en su voz.
De todos los personajes de Hanna Barbera Maguila, sin duda es el más tierno. Pues representa la incomprensión, y aun más, el absoluto abandono. Él es muy bondadoso y aun así, nadie le quiere.
Otros personajes de la H-B intentan ser humanos e integrarse. Maguila sin embargo representa la humanidad en sí mismo, pues no pretende ser otra cosa que no es. Por ello es la representación de lo puede llegar a ser un ser excepcional y aun así no llegar nunca a cuajar.
32. El Coyote y el Correcaminos (Wile E. Coyote and the Road Runner) son los personajes de una serie estadounidense de dibujos animados creada en el año de 1949 por el animador Chuck Jones para Warner Brothers. Chuck Jones se inspiró para crear a estos personajes en un libro de Mark Twain, titulado Roughin It, en el que Twain denotaba que los coyotes hambrientos podrían cazar un correcaminos.
En una ocasión, Chuck Jones dijo, refiriéndose a dos de sus personajes más conocidos, que "el Coyote es mi realidad, y Bugs Bunny mi meta". Los dibujos del Coyote y el Correcaminos fueron creados como una parodia de los dibujos tradicionales de "gato y ratón" (como Tom y Jerry), que eran muy populares en la época. La ambientación de la serie en el desierto del sudoeste de Estados Unidos se asemeja a la de la serie de cómics Krazy Kat, de George Herriman.
Paul Julian, que trabajaba como pintor de decorados en el equipo de Friz Freleng, se encargaba de poner voz al correcaminos.
Un par de coches de la época de los 60 (conocida como la época de los Muscle Cars), le hicieron homenaje al personaje incluso incluyendo un claxon que al ser tocado emitía un sonido parecido al clásico Bip, Bip de la serie. Estos autos fueron producidos por Chrysler Corp. bajo su filial Plymouth y ambos eran:
Plymouth RoadRunner (producido desde 1969 hasta 1980).
Plymouth Superbird (un auto nascar usado en la época de los 70).
Ambos poseían motores que realmente eran rápidos y veloces para la época, de ahí que estos se tomaran como homenaje al correcaminos.
El presentador de los episodios para latinoamérica fue el estadounidense Ken Smith. Los cortos de la serie tienen un planteamiento muy sencillo: el Correcaminos, un pájaro velocísimo (basado en un animal real, el ave Geococcyx californianus, en inglés “greater roadrunner”) es perseguido por las carreteras del desierto del sudoeste de Estados Unidos por el hambriento Wile E. Coyote (Conocido simplemente como "El Coyote", basado también en al animal real del mismo nombre, Canis latrans). A pesar de sus numerosas e ingeniosas tentativas, el Coyote no consigue nunca capturar o matar al Correcaminos. Muy al contrario, todas sus elaboradas tácticas terminan por perjudicarlo a él, convertido en la víctima de la exageradísima (e inocua) violencia de la serie, al comprar armamentos, trampas y herramientas de la marca (ACME) para aniquilar al Correcaminos.
Los personajes son mudos, si se exceptúa el sonido característico del Correcaminos (bib-bip), una especie de bocinazo que tiene la propiedad de alterar los nervios del Coyote, o el ruido que el ave hace al sacar la lengua. Sin embargo, los personajes se comunican entre sí mediante letreros, que también usan para romper la cuarta pared y dirigirse al público.
Curiosamente, es el Coyote el personaje que despierta las simpatías de la audiencia, a pesar de ser siempre el agresor, a causa de sus continuamente inútiles esfuerzos por capturar al Correcaminos. Éste carece prácticamente de personalidad, siendo más bien el objeto inalcanzable del deseo del Coyote que un personaje propiamente dicho.
El Coyote apareció más tarde en algunos cortometrajes de Bugs Bunny, así como también en los dibujos de Little Beeper presentada en Tiny Toon Adventures. En ellos, traicionando el espíritu de la serie original, el Coyote puede hablar. En los cortos de Buggs Bunny, se denota como un “súper genio” (Operation: Rabbit, 1952; donde habló por primera vez, y su primera aparición en donde es llamado “Wile E. Coyote”); en otro dibujo él proclama tener un IQ de 207 (Zip Zip Hooray!, 1965).
El sonido bip: El Correcaminos fue doblado por Paul Julian, que trabajaba como dibujante de fondos para la unidad de Friz Freleng. Julian hizo por primera vez el sonido en los estudios de la Warner Bros (imitando una bocina de coche) como una forma de apartar a la gente cuando tiene prisa. Julian realizó numerosas variaciones del sonido en una sola sesión de grabación. El editor Treg Brown se sorprendió y sugirió hacer más versiones.
La utilización de un miembro del equipo para interpretar una voz causó un problema con el sindicato de actores. Jones estaba obligado a aceptarlo: para las siguientes sesiones de grabación, se utilizaría un actor acreditado. Se sorteó el problema reutilizando la grabación inicial de Julian (y las variantes de Brown) en todos los futuros dibujos del Correcaminos.
Debido a problemas con el sindicato, los estudios rehusaron reconocer la voz real del Correcaminos durante décadas. Algunas fuentes declararon que Mel Blanc interpretó la voz, mientras otros fueron demasiado lejos al decir que la voz era una bocina real.
En The Looney Tunes Show se revela que cuando hace ese sonido puede ir a 443.4 kilómetros por hora en el episodio ``Inseguro a cualquier velocidad´´.
La marca Acme: El Coyote frecuentemente obtiene dispositivos lúdicos y complejos de una compañía de envíos por correo, la corporación ficticia Acme, con los cuales espera que le ayuden a capturar al Correcaminos. Los dispositivos indefectiblemente se vuelven contra él de una manera improbable y espectacular, siendo resultado de errores de operación o mercancía defectuosa. El Coyote por lo general termina quemado, aplastado, o en el fondo de un cañón (algunos dibujos lo muestran sufriendo de una combinación de todos estos males). La respuesta a ¿Cómo adquiere el Coyote estos productos sin dinero? es explicada en el 2003 en la película Looney Tunes: Back in Action, en donde se muestra al Coyote como empleado de Acme. En un episodio de Las Aventuras de los Tiny Toon, el Coyote hace mención a su protegido Calamity Coyote que posee una tarjeta de crédito ilimitada de Acme, lo cual sirve como otra posible explicación. También se ha dicho que el Coyote es un "empleado de pruebas" para Acme. El Coyote también utiliza equipo de guerra, tal como cañones, granadas y bayonetas.
El nombre de la compañía fue escogido por su ironía (acme significa el punto más alto del desarrollo o desempeño). La denominación común American Company that Makes Everything o Compañía Americana que Hace de Todo. El origen del nombre puede estar ligado a la compañía Acme que fabrica impresoras ópticas.
33. La Hormiga Atómica es un personaje de dibujos animados su nombre original creado por la factoría de animación Hanna-Barbera en 1965. Se trata de una minúscula hormiga antropomórfica y parlante, poseedora de una gran fuerza y poder debido a la exposición de una radiación atómica. Sus aventuras fueron emitidas por la televisión estadounidense dentro del programa infantil de media hora de duración, el Show de la Hormiga Atómica, conjuntamente a otros personajes de la factoria Hanna Barbera, tales como Lindo Pulgoso, El Inspector Ardilla, La Bruja tonta y el Pulpo Manotas.
La Hormiga Atómica es una hormiga de color rojo que, aunque parezca extraño, tan solo tiene dos piernas delgadas y dos musculosos brazos, en lugar de las seis extremidades pertinentes características de su especie. Suele ir enfundada en un jersey o sudadera de cuello alto de color naranja, que le cubre su amplia caja torácica. El Jersey lleva el logotipo de la Hormiga Atómica (Atom Ant), una enorme A en el pecho. Sobre su cabeza redonda, lleva un casco de color blanco sujeto con una cinta bajo su mentón. En el casco lleva prácticados dos orificios, para que por ellos puedan sobresalir sus antenas, por las que recibe las señales de socorro. La Hormiga Atómica, pese a su tamaño, puede levantar toneladas, moverse a una gran velocidad, volar despidiendo una estela brillante tras de sí y recibir señales de radio por sus antenas.
34. El bosque de Tallac, también conocida como Jackie y Nuca es una serie japonesa de dibujos animados, cuyo título original es Seton Dôbutsuki Kuma no ko Jakkī «La fábula del osezno Jacky de Seton». La serie se basa en un relato de Ernest Thompson Seton de 1904, «Monarch, the Big Bear of Tallach» (Monarca, el gran oso de Tallac).
La serie fue producida por la Nippon Animation y se estrenó el 7 de junio de 1977. Consta de 26 episodios de 26 minutos cada uno.
La sinfonía de la versión en castellano fue compuesta por Guido y Maurizio de Angelis.
La historia está ambientada en los parajes naturales de la Sierra Nevada californiana de finales del siglo XIX y narra las peripecias de Jackie y su hermana Nuca, dos oseznos que vivían felices en la montaña Tallac, hasta que un disparo abate mortalmente a su madre, la osa Grizzlie. Los oseznos huérfanos vagan indefensos por el bosque hasta toparse con Senda, un niño indio, y su amiga Olga, hija de un terrateniente ganadero, que pronto se encariñan con los animales. Senda se los lleva a casa y decide ocuparse de los cachorros como lo hubiera hecho su propia madre, bajo la supervisión de su padre, Kellian. Los traviesos ositos se integran en su nueva familia y se crea un fuerte vínculo entre los niños y los oseznos, pero la felicidad de todos se vuelve a truncar cuando los cachorros son robados por el malvado cazador, Bonamy, para venderlos a un espectáculo de lucha con perros. Jacky y Nuca consiguen escapar y emprenden su camino de regreso a casa en el que se enfrentarán a múltiples peligros. Pero se encuentran muy lejos y se ven obligados a hibernar solos.
Pasado ya más de un año Senda ha dejado de buscar a su amiguitos, cuando corre la noticia de que ha aparecido un enorme oso que está matando al ganado de la región. Su padre le informa que cabe la posibilidad de que se trate de Jacky pero el niño se resiste a creer que su amigo sea un asesino, y cuando se organiza una partida de cazadores para abatir al depredador Senda sale en busca de su amigo Jacky. Entre tanto, Jacky y Nuca han conseguido regresar a su bosque natal. Jacky que ahora es un gran oso tiene un encuentro con el oso que está matando al ganado y entablan una encarnizada lucha de la que Jacky sale victorioso. Casi de inmediato la partida de cazadores da con Jacky y creyéndole el responsable de las muertes de terneros se disponen a matarlo, pero Senda se interpone entre los cañones de los rifles y el oso que gruñe amenazador ante los hombres, a los que ha aprendido a temer. Pero cuando el niño se acerca Jacky lo reconoce y ante el asombro de todos se vuelve a comportar como el manso cachorro que atiende a las señas a su amigo y lo lame. Finalmente se descubre al oso culpable, muerto por Jacky, junto a un ternero a medio comer lo que libera a Jacky de las sospechas. La alegría del reencuentro se ensombrece cuando su padre hace comprender a Senda que ahora Jacky ya no puede ser su mascota, que es un oso adulto que tiene que vivir libre en el bosque. Con pesar Senda se despide de su amigo y todos lo ven alejarse para siempre junto a su hermana Nuca camino de la montaña.
La serie fue emitida en España en la temporada 1978-1979 por Televisión española.
35. Saint Seiya (Seinto Seiya), conocido en español como Los Caballeros del Zodíaco, es un manga shōnen creado en 1986 por Masami Kurumada y publicado originalmente en enero de 1986 en la revista Shūkan Shōnen Jump de la editorial Shūeisha. Fue adaptado posteriormente en una serie de anime de 145 episodios, de los cuales los últimos 31 se publicaron en tres temporadas en formato OVA. También se han publicado cinco película animadas, sumando además precuelas y secuelas oficiales de la historia original, permaneciendo así vigente la franquicia hasta la fecha.
El manga en Japón fue escrito y dibujado por Masami Kurumada y fue publicado en la revista Shūkan Shōnen Jump de la editorial Shueisha desde enero del 1986 hasta diciembre de 1990, y se recogió en formato Tankoubon desde 1986, para un total de 109 capítulos (uno de ellos es especial), dividido en 28 volúmenes Tankoubon, y se divide la historia en tres capítulos principales. Santuario, Poseidon y Hades. El manga se ha beneficiado de varias reimpresiones y ediciones en formato Wideban, Bunkoban y Kanzenban y también el llamado "Remix", la producción en tres ediciones (2002, 2007 y 2012). Después de la adaptación al anime, que traza una serie de televisión de gran éxito junto a la trilogía de la saga de Hades, dos series más han sido animadas el manga llamado Saint Seiya Lost Canvas por el estudio TMS Entertainment y Saint Seiya Omega por Toei Animation que al contrario de Saint Seiya Lost Canvas, primero fue animada y luego hicieron con la adaptación del manga, aunque curiosamente ambas series son spin-off. Actualmente Saint Seiya sigue vigente con el manga Saint Seiya Next Dimension continuación oficial de la serie cuya animación ha sido confirmada para un futuro5
El argumento de la serie se centra en la historia de un grupo de jóvenes guerreros denominados «santos» (o «caballeros»), cuyo protagonista principal es Seiya (Santo o caballero que porta la armadura (Cloth) de Pegaso). Estos guerreros luchan del lado de la diosa griega Athena reencarnada en la humana Saori Kido para proteger a la humanidad de las fuerzas del mal que quieren dominar la Tierra. Para sus batallas, cada santo utiliza su energía interior ligada al universo (el «cosmos»), sus técnicas especiales de lucha, y sus armaduras (originalmente llamada cloth), todas inspiradas en cada una de las 88 constelaciones, las cuales los representan como caballeros o Santos de Athena y los protegen en los combates.
Tanto el manga original como la adaptación al anime, tuvieron gran éxito en Japón, así también en países europeos como Francia, Italia y España, y en países latinoamericanos como Nicaragua, Bolivia, México, Colombia, Ecuador, Argentina, Brasil, Chile, Paraguay, Panamá, Perú, República Dominicana, Venezuela y Uruguay.6 7 No obstante, el anime no se tradujo al inglés, sino hasta su llegada a Estados Unidos en 2003.6
En un ranking publicado en 2005 por TV Asahi de los 100 mejores animes de la historia, Saint Seiya alcanzó el puesto número 11,8 Mientras que en el 2006 se hizo otro ranking de los animes favoritos en Japón donde alcanzó el puesto número 25.9 Ambos ranking con base en una encuesta en línea en Japón.
Seiya es el personaje principal del manga y anime Saint Seiya conocido como Los Caballeros del Zodiaco, creado por el mangaka Masami Kurumada. En un principio, Kurumada le dio el nombre a Seiya de Rin, ya que iba a nombrar a su manga Ginga no Rin (Rin de la Galaxia) pero se decidió por Seiya. Kurumada se inspiró en Ryuji Takane, el personaje principal de su anterior éxito Ring ni Kakero
Tanto en el manga como en el anime, Seiya es el Santo de bronce de Pegaso, el más valeroso protector de la diosa Atenea y el que nunca se rinde sin importar la situación, acostumbrado a levantarse siempre que cae en una batalla. Es la reencarnación del caballero de Pegaso que en la época mitológica logro herir el cuerpo de Hades y también de Tenma, un caballero que luchó en la anterior Guerra Santa, de hecho el caballero de Pegaso siempre es el mismo en todas su reencarnaciones y en la serie de Lost Canvas es el aprendíz de Dohko de Libra.
A medida que va pasando la serie se va haciendo más fuerte hasta enfrentar a los Caballeros Dorados y los Dioses mitológicos, capaz de elevar su poder hasta el infinito y ganar nuevas habilidades como recorrer 300.000 kilómetros por segundo, despertar el Arayashiki (octavo sentido) y posee una fuerza sobrehumana capaz de derrotar a cualquier enemigo.
El personaje aparece actualmente en el manga Next Dimension (la continuación oficial) donde se encuentra sentado en silla de ruedas, en estado vegetativo producto de su enfrentamiento con Hades.
Hyōga del cisne es uno de los personajes principales del manga y anime Saint Seiya, conocido como Los Caballeros del Zodiaco. Es el Santo de bronce del Cisne, y su constelación protectora es la de Cygnus. Además se caracteriza por ser el más triste y frío de entre todos los los Santos de bronce, porque siempre mantiene vivo el recuerdo de su madre muerta. Hyōga vivía en Siberia con su madre, antes de emprender un viaje hacia Japón para llevarlo donde su padre Mitsumasa Kido. En el viaje, el barco donde iba junto a su madre náufraga, pereciendo ella en el accidente. Luego de esto, Hyōga es acogido en la Fundación Graude, al igual que los demás santos combatientes en el torneo galáctico. Luego sería seleccionado para formar parte del grupo de niños de la Fundación que irían a distintos lugares de entrenamiento para convertirse en Santos. En el sorteo realizado para determinar a donde partiría a Hyōga le tocó, irónicamente, Siberia. Hyoga fue entrenado en Siberia, teniendo como maestro a Camus, santo dorado de Acuario (esto en el manga, en el anime su maestro es el caballero Crystal). Hyoga desconocía el hecho de que su maestro fuera un santo de oro, hasta su encuentro en las doce casas. Luego de seis años de entrenamiento, Hyoga logró obtener el rango de santo de bronce, al lograr romper el muro de los hielos eternos, donde se encontraba la armadura del Cisne.
Técnicas: Las dos primeras técnicas las aprendió en Siberia y fueron el resultado de los cinco años de entrenamiento con su maestro Camus en el manga y del maestro Cristal en el anime.
Diamond Dust (Polvo de diamantes): Con este ataque Hyoga crea un aire congelado tan frío que congela instantáneamente a su oponente dejándolo parado como una estatua de hielo, esta técnica es básica pero mata al oponente congelado al momento, sin embargo ante un enemigo de cosmos mayor detendría el aire congelado sin problemas...mas aun si el enemigo es también otro caballero de hielo.
''Kholodny Smerch (Hōrodonī Sumeruchi, llamado Aurora Thunder Attack (Rayo de Aurora): Genera una tormenta de Hielo que avanza a gran velocidad congelando y por la fuerza de la corriente llevándose al enemigo por el aire, con este ataque el enemigo quedaría en el suelo congelado; con todo y su armadura.)
Aurora Execution (Ejecución de Aurora): Esta técnica la aprendió del caballero Camus de Acuario, Hyoga con las manos hacia arriba con su cosmo hasta al Máximo genera el Cero Absoluto que es el nivel más frío del aire congelado y que en este nivel congela a nivel atómico y puede congelar una armadura dorada y a su portador, cuando Hyoga baja los brazos libera este ataque generando una devastadora tormenta de hielo a nivel del cero absoluto, el enemigo seria arrojado violentamente por la fuerza de la gran ráfaga y muriendo congelado instantáneamente o del golpe de la tormenta.
Koliso (Anillos de Hielo): Hyoga inmoviliza temporalmente a su oponente creando alrededor de el anillos de hielo que evitan al enemigo moverse por un lapso corto de tiempo.
El cero absoluto: El cero absoluto es la temperatura teórica más baja posible. A esta temperatura el nivel de energía interna del sistema es el más bajo posible, por lo que las partículas, según la mecánica clásica, carecen de movimiento;1 no obstante, según la mecánica cuántica, el cero absoluto debe tener una energía residual, llamada energía de punto cero, para poder así cumplir el principio de indeterminación de Heisenberg. El cero absoluto sirve de punto de partida tanto para la escala de Kelvin como para la escala de Rankine.
Así, 0 K (o lo que es lo mismo, 0 R) corresponden, aproximadamente, a la temperatura de −273,15 °C o −459,67 °F.2
Según la tercera ley de la termodinámica, el cero absoluto es un límite inalcanzable. La mayor cámara frigorífica actual sólo alcanza los −271 °C. La razón de ello es que las moléculas de la cámara, al llegar a esa temperatura, no tienen energía suficiente para hacer que ésta descienda aún más.
La entropía de un cristal ideal puro y perfecto sería cero. Si los átomos que lo componen no forman un cristal perfecto, su entropía debe ser mayor que cero, por lo que la temperatura siempre será superior al cero absoluto y el cristal siempre tendrá imperfecciones inducidas por el movimiento de sus átomos, necesitando un movimiento que lo compense y, por lo tanto, teniendo siempre una imperfección residual.
Cabe mencionar que a 0 K absolutamente todas las sustancias se solidificarían y que según el actual modelo del calor, las moléculas perderían toda capacidad de moverse o vibrar.
Hasta ahora la temperatura más cercana al cero absoluto ha sido obtenida en laboratorio por científicos del MIT en 2003. Se obtuvo enfriando un gas en un campo magnético hasta medio nanokelvin (5·10−10 K) por encima del cero absoluto.
Fenómenos cerca del cero absoluto: Al aproximarse al cero absoluto se pueden producir en algunos materiales ciertos fenómenos, como el Condensado de Bose-Einstein, o algunos superfluidos como el helio II.
En 1924, Albert Einstein y el físico indio Satyendranath Bose predijeron la existencia de un fenómeno denominado Condensado de Bose-Einstein. En dicho estado, los bosones se agrupan en el mismo estado cuántico de energía. Este fenómeno se confirmó en 1995, y desde entonces se han investigado muchas de sus propiedades.
A temperaturas muy próximas al cero absoluto se pueden formar superfluidos, o incluso frágiles moléculas que no existen a mayores temperaturas para su estudio, entre otros fenómenos.
Al Cero Absoluto se le define como el punto en el que las moléculas de cualquier cuerpo dejan de moverse, y corresponde a una temperatura de -273.15 grados Celsius.
En la actualidad se puede encontrar una aplicación práctica en el acelerador de partículas LHC del CERN.3 El Gran Colisionador de Hadrones (LHC) alcanza una temperatura de 1,9 K. Los experimentos que se llevarán a cabo en este acelerador de partículas requieren la criogenización de ciertos circuitos para conseguir superconductores. Esto es posible gracias a la combinación de compresores de Helio alimentados con nitrógeno líquido, el cual entra a los circuitos aproximadamente a 80 K (−193,15 °C) para ir bajando de temperatura en su transcurso por el circuito de los 3 compresores.4 La temperatura más baja alcanzada en el LHC es de 1,8 K4
Shiryu de Dragón es uno de los personajes principales del manga y anime Saint Seiya conocido como Los Caballeros del Zodiaco. Es el Santo de bronce del Dragón.
Como un Santo de Bronce, su velocidad se sitúa normalmente entre Mach 1, su Cloth de Bronce puede resistir un frío descendiente hasta -150° celsius antes de romperse.Como un Santo de Oro, su velocidad le permite recorrer 300.000 kilómetros por segundo, su Cloth de Oropuede resistir un frío descendiente hasta -273.15° C es decir el cero absoluto.Un hecho destacable de Shiryu es que a pesar de tener la limitación física de haber perder su vista en varias ocasiones a lo largo de la serie, es que él está acostumbrado a pelear en este tipo de situación. Su ceguera también le ha salvado la vida a sus compañeros en una ocasión, cuando por ejemplo, gracias a la falta de su vista, pudo descubrir la ilusión proyectada por Saga en la Casa de Géminis.
Las técnicas que usa son:
Rozan Shoryuha (El Dragón Naciente): Variación de la Fuerza del Dragón pero más fuerte, este Golpe es capaz de De revertir el curso de la Cascada de Rozan, cuando Shiryu ejecutará este Ataque un Dragón aparece en su espalda signo de que su cosmo esta al máximo punto, a menos de que el rival esquive el ataque o tenga un cosmos mayor, cualquier otro seria arrojado violentamente y acabaría muerto con la armadura destruida. Este ataque posee un punto débil fatal ya que cuando Shiryu prepara el ataque baja el brazo izquierdo y desprotege su corazón en una centésima de segundo al mismo tiempo la garra izquierda del dragón en su espalda muestra exactamente en ese momento su corazón pero del lado opuesto, si Shiryu es atacado en ese momento podría morir, sin embargo es muy difícil notar tal punto y en la historia solo lo han notado 3 rivales; Seiya de Pegaso, Shura de Capricornio y Siegfried de Dubhe Alfa.
Rozan Ryūhishō (La Colera del Dragón): Golpe que concentra una gran cantidad de fuerza en forma de energía y la libera en forma de dragón en su puño derecho. Este golpe aunque es básico tiene la fuerza de acabar con un enemigo de su mismo nivel de un Golpe.
Victimas de esta tecnica: Los esqueletos del cementerio de armaduras, Krishna de Kryasor(lo evade fácilmente), Minos de Grifo(lo evade fácilmente), Sylphid de Basilisco
Rozan Kōryūha (Último dragón de Rozan): Al concentrar todo su cosmos a un nivel más allá del máximo, ocasiona una terrible explosión que destruye todo lo que este cerca y que además lo lanza miles de millas a lo lejos. Shiryū descubrió esta técnica de casualidad cuando entrenaba para realizar el Dragón Naciente.
Escalibur, en kanji "espada sagrada"): Esta técnica le fue legada por Shura de Capricornio, el cual en la batalla de las doce casas salvó la vida de Shiryu, colocándole la armadura dorada de Capricornio y además le incorporó en su brazo derecho su alma y la espada Excalibur, capaz de cortar cualquier cosa.
Rozan Hyakuryūha ( Cien dragones de Rozan): Esta técnica aprendida de su maestro Dhoko de Libra), con este ataque Shiryu concentra todo su cosmos y lo libera en forma de cientos de Dragones pequeños que salen desde las manos de shiryu extendidas hacia afuera y que destruyen todo lo que tengan enfrente, el enemigo si es muy débil seria acabado al momento por la fuerza destructura de los cien dragones.
Shun es uno de los personajes principales de la serie de manga y anime Saint Seiya, conocida como Los Caballeros del Zodiaco. Es el santo de bronce de Andrómeda, y se caracteriza porque no le gusta combatir y menos aún herir a las demás personas.
Shun es un joven de apariencia linda e inocente. Destaca por no usar todo su potencial en batalla ya que es un joven pacifista que detesta lastimar a los demas.
Con 13 años, es el más joven de los santos de Bronce junto a Seiya y a pesar de su apariencia, Shun es visto como alguien especialmente atractivo para las mujeres. Esto se aprecia más en la saga del Torneo Galáctico donde las mujeres asistentes gritan enloquecidas clamando por él. En la serie jamas se ha vuelto a hacer mención de su apariencia, pero es evidente que sus rasgos están inspirados en su constelación guardiana, Andrómeda, una constelacion representada por una doncella. Shun tiene el cabello largo y verde en el anime mientras que en el manga lo tiene de un color castaño claro, que cambia a un color rojo hasta convertirse en negro cuando es poseído por Hades; valga aclarar que el anime inventó la coloración de rojo oscuro para cuando Shun es posesionado por el Dios y además, los personajes únicamente reaccionan cuando su cabello cambia a un color negro, señal de que Hades se ha apoderado totalmente de él. Sus ojos son de un turquesa oscuro, pero cuando es poseído por Hades cambian su color habitual a un oscuro intenso. Las técnicas de manejo de las cadenas fueron el resultado de los cinco años de entrenamiento con su maestro Daidalos de Cefeo (en el manga) y en el anime por Albiore de Cefeo. La principal característica de la armadura de Andrómeda son sus cadenas, inspiradas lógicamente en el mito griego, las cuales tienen como principal función, defender a Shun de ataques enemigos y también detectar presencias hostiles sin importar donde se oculten. Podéis si queréis buscar en internet información tanto del mito griego de Andrómeda como de la constelación de Andrómeda que más tarde que temprano colisionará con nuestra vía láctea.
36. Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1915 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1967) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un ícono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,9 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.
Mickey Mouse es un personaje ficticio de la serie del mismo nombre, emblema de la compañía Disney. Creado el 19 de julio de 1928, este antropomórfico ratón tiene un origen disputado. La leyenda oficial explica que fue creado por Walt Disney durante un viaje en tren, y que su nombre inicial fue Mortimer, pero que cambió a Mickey a petición de su esposa, Lillian. Según Bob Thomas, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse. La versión más verosímil es que el personaje fue creado por el dibujante Ub Iwerks, a petición de Disney, para compensar la pérdida de los derechos de Oswald, el conejo afortunado, a manos de la Universal. Lo cierto es que Mickey no es más que una variación del personaje de Oswald. A Walt Disney hay que atribuirle tanto la voz del personaje (le dio voz durante 17 años) como la personalidad y el carácter del ratón: Su cabeza era un círculo con otro círculo a modo de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga; sus patas eran tubos y se las metimos en zapatos grandes para darle el aspecto de un chiquillo con el calzado de su padre.
The Walt Disney Company celebra el nacimiento de Mickey el 18 de noviembre de 1928, a raíz del estreno de Steamboat Willie, primer cortometraje sonoro de dibujos animados, y tercera aparición del ratón. Walt Disney prestó su voz al personaje desde 1928 hasta 1947, cuando fue sustituido por el técnico de sonido Jimmy MacDonald. Desde 1977 la voz es de Wayne Allwine hasta 2009 desde entonces es interpretado por Bret Iwan. A lo largo de los años Mickey ha aparecido en dibujos animados, tiras cómicas, videojuegos, y se ha convertido en el icono de la compañía Walt Disney.
La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su continuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V
Pato Donald (Donald Duck en el original inglés) es un personaje de Disney, caracterizado como un pato antropomórfico de color blanco y con el pico, las piernas y las patas anaranjadas. Generalmente viste una camisa de estilo marinero y un sombrero, sin pantalones, excepto cuando va a nadar.
Donald ha protagonizado multitud de dibujos animados e historietas. Mientras que las animaciones de Donald tienen amplia popularidad en los Estados Unidos y el resto del mundo, los libros de historietas semanales y mensuales tienen su mayor popularidad en gran parte de los países europeos, especialmente en Noruega y Finlandia, aunque también es un personaje muy aceptado en otros países como Alemania, Dinamarca, Italia, Países Bajos y Suiza. La mayoría de las publicaciones son hechas por la filial italiana de Disney, y por Egmont en Dinamarca, Noruega, Finlandia y Suiza.
La primera aparición de Donald fue en la animación Sinfonías tontas y La gallinita sabia, el 9 de junio de 1934 (aunque es mencionado en un libro de historias de Disney del año 1931). La apariencia que tenía Donald en esta animación, creada por Dick Lundy, es similar a la actual. Los colores son los mismos, al igual que la camisa marinera y la gorra, pero su aspecto físico era más estirado, más gordo y sus pies mayores. Su personalidad no estaba desarrollada todavía, en el corto solo hacía de amigo poco servicial. La voz interpertada por Clarence Nash, sin embargo ya estaba configurada y se mantendría igual durante cincuenta y un años, hasta su fallecimiento. Su forma de hablar casi ininteligible se aferró en la mente de la audiencia y lo ayudó en su ascenso al estrellato.
Ben Gillett, el director de La gallinita sabia, trajo al personaje de Donald nuevamente en el dibujo animado de Mickey Mouse The Orphan's Benefite el 11 de agosto de 1934.
Donald siguió siendo un éxito entre la audiencia. El personaje comenzó a aparecer en la mayoría de las animaciones de Mickey Mouse como una figura habitual de su grupo con Minnie, Goofy y Pluto. Los dibujos animados de este período, tales como The Band Concert de 1935 son aclamados por los expertos como películas ejemplares entre los clásicos de la animación.
Donald fue rediseñado en el año 1937 pasando a ser un poco más relleno, redondeado y bajo. También comenzó a aparecer en animaciones como el protagonista principal, el primero de los cuales fue el 9 de enero de 1937, en la animación 'Don Donald' del animador Ben Sharpstenn. En este corto aparece el personaje de Daisy (en ese momento llamada Donna), novia de Donald. Sus sobrinos Hugo, Paco y Luis (Jaimito, Juanito y Jorgito) hicieron su aparición animada un año más tarde, el 15 de abril de 1938 en la película Los sobrinos de Donald, dirigida por Jack King.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la audiencia esperaba personajes más avasalladores. No es una coincidencia que la misma época que vio el nacimiento y crecimiento de Bugs Bunny también fue testigo del ascenso de popularidad del Pato Donald. Para el año 1949 Donald había superado en popularidad a Mickey Mouse, convirtiéndose en la estrella de Disney. Antes de 1941 ya había aparecido en 50 animaciones aproximadamente. Entre 1941 y 1965 Donald habría protagonizado más de 100.
Muchos de los cortos de Donald durante el período de guerras fueron películas de propaganda, especialmente notable en Der Fuehrer's Face, lanzada el 1 de enero de 1943. Otros cortos notables de este período incluyen los llamados 'cortos del ejèrcito' (Army shorts), seis películas que van siguiendo la vida de Donald en el Ejèrcito de Estados Unidos, desde su reclutamiento hasta su vida en un campamento bajo las órdenes del sargento Pete El Negro, pasando por su primer misión comando en donde tiene que sabotear una base aérea japonesa.
Donald Gets Drafted también caracteriza al pato teniendo una examinación física antes de unirse al ejèrcito. De acuerdo a esto, el Pato Donald tiene pie plano y es incapaz de distinguir entre el color azul y verde, lo cual es una especie de daltonismo. También en este dibujo animado el sargento Pete hace un comentario sobre la falta de disciplina de Donald. Según el dibujo animado, el nombre completo de este personaje es Pato Donald Fauntleroy (el nombre menos conocido hace referencia a su sombrero marinero)
Con [Der Fuehrer's Face] ganó en el año 1943 el Premio Oscar en la categoría de cortos animados.
Muchas de las animaciones de Donald hechas después de la guerra lo hacen el blanco de otros personajes fastidosos, lo que implica un cambio en el perfil de las películas desarrolladas hasta entonces. El pobre Donald es atacado, acosado y ridiculizado repetidamente por sus sobrinos Hugo, Paco y Luis, las ardillas Chip y Dale, o por otros personajes de apariciones únicas como un oso o una colonia de hormigas. En efecto, los artistas de Disney habían revertido el clásico escenario confeccionado por Walter Lantz y otros en el que el personaje principal era el instigador de esta conducta acosadora más que el blanco de ellas. Sin embargo, al girar los papeles, los agresores de Donald aparecieron como crueles y sádicos, lo que dio resultados no muy divertidos para algunas animaciones, según las críticas.
El Donald de postguerra también protagonizó animaciones educativas, tales como El Pato Donald en la tierra de las matemáticas mágicas (1959) y formó parte de varios proyectos de Disney, como por ejemplo El dragón reacio (1941) y el espectáculo de televisión estadounidense Disneylandia del año 1959.
Goofy o Tribilín es un personaje de ficción creado por Walt Disney de los estudios de Walt Disney. El famoso perro de la casa Walt Disney, es uno de los mejores amigos de Mickey Mouse. Padre de Maximiliano "Max" Goof, a diferencia de la mayoría de los personajes (Mickey, Minnie, Donald...) que suelen ser tíos.
Su primera aparición fue el 25 de mayo de 1932 en Mickey Revue. Este corto de animación dirigido por Wilfred Jackson muestra a Goofy, el caballo Horacio y a la vaca Clarabella -en algunos lugares llamada Margarita- cantando y haciendo un espectáculo de baile. En esta época, los cortos de Mickey y su pandilla animada hacían canciones y números bailados casi rutinariamente. Lo que le daría a esta animación un carácter distintivo fue el debut de un nuevo personaje, cuya forma de actuar serviría como fuente de chiste.
Pluto es un personaje de ficción que se hizo famoso mediante los cortos de animación de The Walt Disney Company. Pluto generalmente caracteriza al perro de Tribilín o Goofy, aunque también ha sido la mascota del Pato Donald y, ocasionalmente, la de Mickey Mouse. De forma inusual para los personajes creados por Disney para la serie Mickey Mouse, Pluto no está mayormente antropomorfizado, tan solo posee un amplio rango de expresiones faciales.
En las animaciones que lo tienen como protagonista, sus amigos son Fifi (perro pequinés), Dina y el San Bernardo Ronnie. Entre sus enemigos se encuentran Butch (un perro buldog) y las ardillas Chip y Dale (Chip y Chop en España) entre otros personajes.
Disney Studios disputó con éxito contra Paramount Pictures para cambiar el nombre del fervoroso pretendiente de Olivia, en las animaciones de Popeye el Marino de Pluto a Brutus ya que ambos nombres podían prestarse a confusiones, aunque los personajes son totalmente distintos.
En el año 1942 se hizo una animación en la que se presentaba al hijo de Pluto, aunque no fue un personaje que se desarrollara mucho más. En algunas ocasiones se menciona que Pluto fue creado cuando se descubrió el planeta Plutón (de allí su nombre "Pluto" ,el nombre en inglés de Plutón), pero no ha sido verificado.
37. Marco, de los Apeninos a los Andes es un relato breve de ficción incluido por Edmundo de Amicis en su novela Corazón, publicada en 1886. Narra la historia del extenso y complicado viaje de un niño de trece años, Marco, desde Italia hasta Argentina, en busca de su madre, que había emigrado a aquel país sudamericano dos años antes. El relato aporta una cruda visión de la emigración italiana que tuvo lugar durante el siglo XIX, teniendo que dejar el norte italiano, por un país del continente americano.
En Génova, al norte de Italia, reside una familia con dos hijos de dieciocho y ocho años. La madre se ve obligada a marchar a Argentina para encontrar trabajo sirviendo en una casa. Durante un tiempo la recibe, por escrito, noticias de la madre, pero al cabo de un año, las cartas cesan, tras una en que se daba cuenta de problemas de salud, con lo que se crea una situación de preocupación e incertidumbre.
Tras tratar de conseguir noticias a través del Consulado italiano en Buenos Aires, a los dos años de la partida de la madre, el más pequeño de los dos hijos, Marco, decide afrontar, salvando las iniciales reticencias de su padre, el largo viaje de veintisiete días que entonces debían sufrir los emigrantes a bordo de grandes buques mercantes.
A su llegada a la capital argentina no consigue encontrar a su madre, pues la familia para la que trabaja ha trasladado su residencia a Córdoba. Tras pasar una noche en La Boca, se embarca para remontar el Río Paraná, con destino a Rosario, desde donde le han dicho que le será más fácil llegar a Córdoba. Allí no encuentra al contacto que le habían facilitado y se encuentra en una situación difícil, ante la falta de dinero para pagar el ferrocarril que le llevaría, durante un día de viaje, hasta Córdoba. Sin embargo la ayuda de un grupo de emigrantes italianos le proporciona el dinero necesario y toma el mencionado ferrocarril.
Con la llegada a Córdoba no acaban los problemas del joven Marco, pues al llegar a la casa del ingeniero Mequínez, para quien trabaja su madre, comprueba que, una vez más, se ha mudado, marchando a Tucumán. Consigue convencer a un comerciante que se dirige a Santiago para que lo lleve en el tramo común del camino, viajando así durante más de dos semanas en un carro tirado por bueyes que lo dejará junto a la Cordillera de los Andes desde donde marchará a pie hasta Tucumán.
Al llegar a esta ciudad, y tras dirigirse a una finca situada a una jornada más de marcha, encuentra al fin a su madre, enferma y prácticamente desahuciada por los médicos. Debe operarse y, tan lejana de su familia, ha perdido toda esperanza. Se niega a ser operada. Sin embargo, la llegada de su joven y voluntarioso hijo le devuelve la ilusión por vivir y conseguirá ayudarla a sanar.
El relato termina con las palabras del médico, quien dirigiéndose a Marco le dice: "¡Eres tú, heroico niño, quien ha salvado a tu madre!".
Transfondo del relato: El relato muestra con crudeza, pero con un final esperanzador, el drama de la emigración italiana al final del siglo XIX, que debian dejar Europa, yendo al continente americano.
En aquellos momentos Italia vivió una época de crisis, especialmente en las zonas del sur y de Sicilia. La carestía constante obligó a muchas personas a buscar trabajo en el industrializado Norte (especialmente Milán) y en otros países como Estados Unidos o Argentina.
El drama alcanzó cuotas sorprendentes:
En algunas regiones emigraron pueblos enteros.
Cuando los estadounidenses llegaron a Sicilia y la Italia continental durante la Segunda Guerra Mundial fueron muy bien recibidos, pues era rara la familia que no tenía algún miembro en ese país.
En Argentina la italiana es la comunidad más numerosa, seguida por la española.
Adaptaciones:
La primera de las adaptaciones cinematográficas, Dagli Appennini alle Ande, realizada con el argumento del relato de Edmundo de Amicis, fue una película muda, una de las primeras obras del cine italiano que fue dirigida en 1916 por Umberto Paradisi. Ermanno Roveri interpretó al joven Marco.
Con idéntico título y nacionalidad se estrenaron dos nuevas películas en las siguientes décadas. En 1943 la dirigida por Flavio Calzavara con Cesare Barbetti como protagonista, y en 1959 la de Folco Quilici, interpretada por Marco Paoletti.
La más conocida adaptación de Cuore es la serie de anime creada por Nippon Animation en 1976, como parte de su popular contenedor infantil World Masterpiece Theater.
En 1980 se estrenó Marco de los Apeninos a los andes (母をたずねて三千里, Haha o tazunete sanzenri), la película editada por el personal del anime de la TV. El lanzamiento al cine fue el 19 de julio de 1980. Fue distribuida por Toho Towa y cuenta con una duración de 107 minutos.
En 1990, y bajo la dirección de Pino Passalacqua se rodó una nueva adaptación en Italia, esta vez destinada a su emisión como telefilme por televisión. El actor infantil Umberto Caglini interpretó el papel de Marco.
Marco: de los apeninos a los andes (Marco Maruko Haha o Tazunete Sanzenri?) es una versión conmemorativa basada en la serie de TV que Nippon Animation produjo en 1999. El personal original no participó, aunque el método de la dirección y la escritura se aplicaron a la serie de la TV de la misma manera. El lanzamiento al cine fue el 9 de abril de 1999. Fue distribuido por Shochiku y contó con una duración de 98 minutos.
El canal de televisión español Antena 3, sacó su propia adaptación de Marco estrenado el 26 de diciembre de 2011, cambiando tan solo el punto de inicio, que es en la ciudad de Málaga y sustituyendo el mono Amedio por un nuevo hermano menor del personaje principal llamado Lucas.
38. Sherlock Holmes (Meitantei Hōmuzu?, Famoso Detective Holmes o simplemente Detective Holmes) es una adaptación en anime de las aventuras de Sherlock Holmes, el personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle. En ella, los personajes aparecen como animales con apariencia antropomorfa, en su mayoría perros, como los propios Holmes y Watson. La serie tiene alguna influencia de la estética steampunk, con aparatos de vapor de apariencia exótica, así como elementos de ciencia ficción. Está compuesta por 26 episodios emitidos en Japón entre 1984 y 1985.
Es un proyecto conjunto entre la japonesa Tokyo Movie Shinsha y la italiana RAI, de 1981. Seis episodios fueron dirigidos por Hayao Miyazaki, mientras que el resto se deben a Kyosuke Mikuriya.
En la versión inglesa recibió el nombre de Sherlock Hound, un juego de palabras con Holmes y Hound, a la vez sabueso, y referencia a la apariencia de perro de los personajes.
Es la última serie de televisión en que trabajó Miyazaki.1 Éste dirigió 6 episodios (y escribió los guiones de algunos de ellos), pero en 1982 la serie fue congelada por problemas de copyright con los herederos de Arthur Conan Doyle. En 1984, tras la resolución del problema legal, Tokyo Movie Shinsha decidió hacer más episodios y transmitirlos por televisión como estaba pensado inicialmente, aunque con un equipo distinto al de los primeros 6 episodios.
Dos de los episodios, La aventura del Carbunclo Azul y Tesoro bajo el mar fueron mostrados en los cines junto a Nausicaä en 1984, con la advertencia "Esta película no tiene nada que ver con el Sherlock Holmes de Conan Doyle".1 Estos episodios suelen considerarse como una película en sí misma. En ella, los nombres de Moriarty y la señora Hudson pasaron a Moroach y Ellison por problemas con los derechos. Además, en esta producción también se cambiaron el ending y el opening.
Personajes: Existe una serie de personajes recurrentes en todos los capítulos (a partir del segundo), además de los que aparecen ocasionalmente como clientes de Holmes o personajes secundarios.
. Sherlock Holmes: es alto, silencioso, inteligente y despreocupado. Tiene conocimientos en muchos campos de la ciencia, y le gustan los experimentos químicos. Usa su saber para ejercer como investigador privado. Siente afecto por la señora Hudson, el ama de llaves de su casa. Su archienemigo es el Profesor Moriarty, al cual nunca consiguen atrapar, pero cuyos planes frustran en cada capítulo.
. Doctor Watson: es mucho más bajo y ancho que su amigo, y a veces algo sarcástico. Es médico de profesión, y tras conocer a Holmes se instala en su misma casa, porque pasan a trabajar juntos como investigadores. Le acompaña en todas las aventuras que corre en la serie. También siente algo por la señora Hudson.
. Profesor Moriarty: es un genio del crimen, un ladrón muy inteligente que prepara cuidadosos planes para conseguir lo que quiere. Se muestra burlón con su perseguidor de la policía, Lestrade, y sólo teme a Holmes cuando intenta realizar un robo. Tiene dos secuaces, Todd y Smiley, que siguen sus órdenes al pie de la letra. Es un personaje con un gran ego: se cree el Napoleón del crimen, y en varias ocasiones, Holmes desbarata sus planes valiéndose de su vanidad.
. Inspector Lestrade: es el miembro de Scotland Yard que dirige todos los casos que aparecen en la serie. Suele colaborar con Holmes en su resolución, aunque le disgusta que participe en su trabajo y a menudo intentar atrapar a Moriarty antes que él. Se toma muy en serio la captura de Moriarty, como algo personal, pero nunca lo consigue del todo, y el villano escapa en todas las ocasiones.
. Señora Hudson: es la joven ama de llaves de la casa de Holmes y Watson. Es muy bella, diligente y simpática, y lleva la casa y el jardín con gran dedicación. Tanto Holmes como Watson sienten algo por ella, aunque nunca parece darse cuenta. Estuvo casada con Tim Hudson, piloto e ingeniero de aviones, pero éste pereció en un accidente de aviación. Ella, que hasta entonces era muy querida y conocida entre los pilotos por sus habilidades tanto como excelente piloto, como para conducción de coches de carreras, abandonó todo aquello, y pasó a dedicarse a su oficio actual como ama de llaves de Holmes.
. Todd y Smiley: son los dos secuaces de Moriarty, que llevan a cabo el trabajo sucio en sus planes. Antes de entrar a su servicio, eran piratas (en el barco del primer episodio). Smiley es más alto y despistado, bastante simple a veces. Todd, por el contrario, es más irascible y suele reprender a su compañero por sus acciones. Ambos suelen hacer el trabajo sucio en los planes de Moriarty, que normalmente les obligan a llevar disfraces variados.
39. Los Pitufos (en el original francés, Les Schtroumpfs) son unos personajes creados por el dibujante belga Peyo en la historieta La flauta de los seis pitufos (La Flûte à Six Schtroumpfs) de su serie Johan y Pirluit para el semanario Le Journal de Spirou el 23 de octubre de 1958.1 Tal fue el éxito de estas criaturas azules de pequeño tamaño, equivalentes a gnomos o duendes benignos, que al año siguiente empezaron a protagonizar su propia serie de historietas, así como películas, series de dibujos animados y videojuegos.
El nombre original de los pitufos en francés es Schtroumpfs. Su nombre en español se le ocurrió a Miguel Agustí, redactor jefe de la revista Strong, donde fueron publicados por vez primera en castellano en 1969.2 Durante más de un mes, estuvo buscando un nombre que pudiera conjugarse hasta que recordó el personaje de Patufet, figura emblemática del folclore catalán (y el nombre de una célebre revista infantil de preguerra en catalán).2 De ahí derivó el nombre de Los Pitufos, que se mantendría en las siguientes versiones españolas2 (menos en TBO, donde aparecieron brevemente a mediados de los 70 rebautizados como Los Tebeítos).
Los pitufos constituyen una comunidad secreta de pequeños seres azules que viven en setas en lo profundo del bosque, durante el Medioevo. No usan nombres propios para tratarse entre sí, y tienen todos el mismo tamaño, apariencia y vestimenta (unos pantalones y un capuchón blanco, que son rojos sólo para el Gran Pitufo o Papá Pitufo que los lidera), pero entre ellos sí que parecen distinguirse; a pesar de ello existe una serie de personajes recurrentes, que se distinguen por sus virtudes o defectos, por sus aficiones o por alguna otra peculiaridad, y son llamados por ella: tenemos así al Pitufo Gafotas (Pitufo Filósofo en Hispanoamérica), el Pitufo Bromista, el Pitufo Valiente, el Pitufo Goloso, el Pitufo Gruñón, el Pitufo Manitas, el Pitufo Vanidoso, el Pitufo Poeta, el Pitufo Simple, el Pitufo Perezoso, el Pitufo Labrador, el Pitufo Deportista...
Su lengua entremezcla palabras humanas normales con la palabra "pitufo", usada tanto como nombre, como adjetivo (pitufado/a) o como verbo (pitufar), y que a los humanos suena siempre igual, pero que ellos parecen distinguir sin problemas; por ejemplo, en la historieta El País maldito (1961) un pitufo huye de su hogar para pedir ayuda a Johan y Pirluit contra "el pitufo que pitufa pitufo", y se levanta una fuerte polémica tratando de averiguar qué significa la expresión, que de hecho acabó por referirse a "un dragón que echa fuego". Sin embargo, en la mayoría de las ocasiones sus enemigos son el brujo Gargamel y su gato Azrael.
La obra de Peyo ha suscitado interpretaciones ideológicas dispares, más o menos fundamentadas.
Les Schtroumpfs noirs (1959), por ejemplo, ha sido tachada de racista. Se ha llegado a afirmar incluso que la misma sociedad pitufa, con su elogio del comunitarismo y el líder supremo, constituye una apología del totalitarismo, tanto comunista como nazi. Según esta interpretación, Gargamel y Azrael serían una clara caricatura del judío y del capitalismo.
En 2011 el francés Antoine Buéno publicó El pequeño libro azul: análisis crítico y político de la sociedad de los pitufos, donde recoge estas ideas.
Lo que sí es indudablemente cierto es que Peyo reflejó su visión de lo que le rodeaba en Los pitufos, atreviéndose a retratar la división lingüística de su país en Schtroumpf vert et Vert Schtroumpf, ya en 1972.
La serie de dibujos animados: Los Pitufos (Smurfs en el original estadounidense) es una serie de televisión de Hanna-Barbera producida entre 1981 y 1990, basada en Los Pitufos (en el original francés, Les Schtroumpfs), una serie de cómic franco-belga creada por el historietista Peyo para el semanario Le Journal de Spirou en 1958. Tiene la peculiaridad de ser una de las más extensas realizadas por este estudio de animación y una de las series animadas estadounidenses de las que más episodios se han realizado, siendo superada únicamente por Los Picapiedra, Scooby Doo y Los Simpson.
En Estados Unidos la serie fue producida por Hanna-Barbera y se exhibió desde 1981 hasta 1990 por la cadena NBC durante los sábados por la mañana.
En España esta serie de dibujos animados se emitió primero por Televisión Española entre 1983 y 1984 y, seguidamente, a través de las distintas cadenas de televisión autonómicas y privadas. En Cataluña específicamente, la serie empezó a emitirse a partir de 1985 por TV3, siendo recientemente emitida en el Canal Super 3.
40. La aldea del arce, (Maple Town en inglés, Maple Town Monogatari en doblaje original y Gúshi de Mapletown en Taiwan) , fue una popular serie de animación anglo-japonesa del año 1986 centrada en las aventuras de Patty Rabbit, Bobby Bear, y sus familias en una pequeña y utópica ciudad ficticia. La idea original partía de que en aquella época las series con más éxito en la televisión estaban en manos de personajes antropomorfos vinculados al reino animal.
La serie fue escrita por Chifude Asakura y dirigida por Junichi Satoh.
Series como Banner y Flappy y El bosque de Tallac entre otras estaban en ese momento a la orden del día. La productora nipona Tokio Movie Shinsa no tuvo ningún inconveniente en adaptar el guion de Chifude Asakura, Kuo Shin Liu, Shigeru Yanagawa para la pequeña pantalla.
La serie estaba compuesta por cincuenta y dos capítulos de media hora de duración cada uno, aunque en España en cambio solo se proyectaron 26 episodios.
La Aldea del Arce, supuso para los estudios Toei Animation, a parte de un reconocimiento popular en todo el planeta, un punto y aparte en su estilo y una gran campaña de merchandising bastante amplia, ya que la serie llegó a fascinar a público de todas las edades, siendo una serie con la que muchos han crecido y pasando a la historia como otra importante serie anime infantil a la altura de Heidi, Marco o Ulises, entre muchas otras.
Por otro lado, suponía una enseñanza pedagógica para los televidentes. es conocido por múltiples generaciones de nostálgicos e infantes. La música estaba compuesta por Akiko Kosaka.
La versión estadounidense de la serie mostraba una moralidad prominentemente occidental. Cada capítulo estaba precedido por un corto presentado por "La señorita Maple" (Janice Adams), quien contaba la moral del episodio.
Argumento: La historia trataba sobre los habitantes de una aldea en medio del bosque. La intrépida Patty, una simpática conejilla y su amigo Bobby junto a múltiples personajes más viven las aventuras típicas de una aldea, con todos los problemas, las alegrías y los peligros de la vida diaria en comunidad. Cuenta la historia de Patty Rabbit, una conejita que acaba de llegar a la aldea con su familia. Al poco de llegar, Patty se hace amiga de Bobby Bear, un osito de su edad, así como el patoso ladrón, el lobo Gretel.
Personajes:
Patty Conejo: es la protagonista de la serie. Es aventurera, hábil e intrépida. Es una conejita color café, que suele lucir un vestido rosa de algodón cosido a mano por su madre con un delantal blanco y un coletero de bolas rosas en la oreja izquierda. Es la hija del cartero de Aldea del Arce y su mejor amigo es Bobby, con el que suele salir a explorar o a cazar insectos.
Anne Conejo: es la hermana mayor de Patty, también es una coneja café, pero un poco más oscuro. Al contrario que ella, Anne quiere aprender a ser toda una señorita y trata de ser muy formal, pero su hermana la saca de sus casillas. Lleva un vestido azul, también con un delantal blanco encima.
Ricki Conejo: es el hermano pequeño de la familia Conejo. Es un conejo color crema amarillento, y suele llevar un pequeño rizo de pelo en la frente, y viste una camisa blanca y un peto rojo con un corazón amarillo encima.
Reachel Conejo: es la más pequeña de la familia Conejo, una conejita casi blanca que suele llevar un pijama rosa pastel de cuerpo entero, y siempre va en brazos de su madre.
Sra. Conejo: es la madre de Patty, Anne, Ricki y Reachel. Es una coneja de color tostado, con un vestido de rayas verdes y blancas con un delantal amarillo pálido. Es una madre atenta y se preocupa por sus hijos.
Sr. Conejo: es el cartero de Aldea del Arce y el padre de Patty, Anne, Ricki y Reachel. Es un conejo responsable, agradable y simpático, siempre dispuesto a ayudar a los ciudadanos. Suele lucir una camisa blanca con adornos verdes, con una corbata a juego con esos accesorios, debajo de un chaleco amarillento. También lleva unos vaqueros y unos mocasines marrones. A veces lleva una visera azul oscura.
Bobby Oso: es un osezno marrón, muy aficionado a las aventuras, la caza de insectos y los novillos. Es el mejor amigo de Patty, y a veces siente celos de que pase tiempo con Johnny Perro. Lleva una camiseta de rayas horizontales en tono rojo y blanco con un peto vaquero encima y unos botines. No soporta cuidar a sus hermanos (Kan, Kon y Kun), pero nunca hace caso a su otra hermana.
41. Ruy, el pequeño Cid es una serie de dibujos animados que relata la infancia del personaje histórico Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid Campeador. Fue una coproducción de 1980 entre BRB Internacional y Nippon Animation, en asociación con Televisión Española. La serie obtuvo un gran éxito entre el público infantil.
La historia trata sobre la imaginaria infancia llena de aventuras de este personaje en la Castilla del siglo XI. Al comienzo de cada capítulo se desarrollaba una introducción histórica del momento: el rey Fernando I, siempre embarcado en empresas bélicas contra el resto de reinos peninsulares, había unificado el Reino de Castilla con el de León, cosa que no aceptaron de buen grado todos los nobles leoneses. Mientras el pequeño Rodrigo sueña con ser un bravo caballero.
Os dejo un dibujo de la serie original que vi en una exposición en la Imprenta Municipal de Madrid.
42. Lucky Luke es una serie de historietas franco-belga, parte parodia y parte tributo al mítico lejano oeste, protagonizada por el vaquero homónimo. Creada por el dibujante belga Morris para el Almanach 47 de Spirou en 1946, contó con múltiples guionistas, entre los que se cuenta René Goscinny. Después de Tintin y de Astérix, Lucky Luke es el cómic más popular de Europa continental.
Al final de cada historieta, excepto en los primeros números, Lucky Luke cabalga hacia el sol poniente, cantando "I'm a poor lonesome cowboy, and a long way from home" ("Soy un pobre cowboy solitario, y estoy lejos de mi hogar"). En varios de los números los guionistas autoparodian este recurso; en una historieta Jolly Jumper llega a decirle a Lucky Luke, "Encuentro que ya va siendo hora de que cambies de repertorio, cow-boy".
Lucky Luke, conocido por ser "más rápido que su propia sombra", es un vaquero que se enfrenta al crimen y la injusticia, deteniendo forajidos, escoltando caravanas de pioneros, o ejerciendo de mediador del Gobierno de EE.UU. en misiones diplomáticas particularmente delicadas. El cowboy se caracterizó en los inicios de la serie por tener constantemente un cigarrillo entre sus labios, aunque Morris lo reemplazó con una pajita en 1983, lo que le valió el reconocimiento de la Organización Mundial de la Salud.
Otros personajes importantes de la serie son:
Jolly Jumper: El caballo de Luke es Jolly Jumper, "el caballo más listo del mundo". Increíblemente eficiente, siempre acude en ayuda de Lucky Luke cuando es secuestrado o encarcelado por sus enemigos. Ambos se compenetran a la perfección, de hecho Jolly Jumper entiende lo que dice Luke y suele hacer comentarios sarcásticos sobre ello. Sólo en algunas historietas (como "El bandido mecánico") se ha insinuado que Luke también comprenda lo que dice Jolly.
Los Dalton:Los secundarios más recurrentes son los hermanos Dalton, "cuatro tipos con pinta estúpida y malvada": Joe, William, Jack y Averell (en orden creciente de altura y torpeza). Constantemente se evaden del penal donde están recluidos para sembrar el terror en las poblaciones vecinas y para cumplir el sueño de Joe Dalton: acabar con Lucky Luke. Cosa que, por supuesto, nunca consigue.
Ran Tan Plan: El penal en el que están recluidos los Dalton está custodiado por Ran Tan Plan, "el perro más estúpido del universo", absolutamente incapaz de seguir una pista, el cual acompaña también a Lucky Luke en algunas historietas (aunque casi nunca consigue reconocerlo) para desesperación de Jolly Jumper, quien lo considera un "error de la naturaleza". Ran Tan Plan tuvo además su propia serie, creada por Morris y varios dibujantes, que contó con cinco números.
En varios de los álbumes, Lucky Luke se encuentra con personajes no ficticios del lejano oeste, como Calamity Jane, Billy the Kid, el juez Roy Bean o la banda de Jesse James. También participa en hechos reales de la historia de EE.UU., como la constitución del Pony Express, la colonización de Oklahoma o la unión por telégrafo de ambas costas del país.
La serie de animación: Lucky Luke es una serie de televisión de dibujos animados franco-americana de 26 episodios de 25 minutos de duración inspirada en los cómics creados por Morris y coproducida por los estudios Hanna-Barbera Productions, Gaumont y FR3 en 1983. En Francia la serie se difundió por primera vez en 1984 en el canal France 3.
Para su pase por televisión en América, Lucky Luke debe cumplir con algunas reglas para no caer bajo la censura de programas para niños. Primer cambio en el dibujo animado: Ya no fuma. Otro gran cambio, la desaparición de las minorías étnicas: como los chinos y negros. Los mexicanos hablan "red-skins". Los mexicanos y croque-morts se borran en la mayor medida posible las historias de Lucky Luke. Este ajuste también dará a los animales es mucho más importante que en los comics ... Así Rantanplan aparece en casi todos los episodios por lo que casi se convierte en el perro de Lucky Luke (Si bien es la base, que es el perro de la prisión) y Jolly Jumper y reacciona con mayor frecuencia. Estos cambios pueden ofender a los puristas ya que distorsionan la obra original (Morris cambios que castiga a sí mismo).
Las buenas ideas, no obstante, surgen como esta adaptación de Lucky Luke para un golpe de suerte ... En términos generales, esta serie se centra en el humor, la parte heroica de los vaqueros, y la próxima aventura de la historieta han sido prácticamente eliminadas. Los episodios no siempre tienen el mismo diseño, que se explica por el hecho de que había varios estudios de animación subcontratistas (EE.UU., España y Australia ,...)
También hay que mencionar el buen doblaje. En España el doblaje también es óptimo para todos los personajes que aparecen a lo largo de la serie.
43. Pepe Pótamo es un dibujo animado de un hipopótamo antropomórfico creado por los estudios de animación de Hanna Barbera y sus aventuras tituladas Pepe Pótamo y su globo mágico fueron emitidas por la televisión estadounidense el 16 de septiembre de 1964, dentro del programa infantil titulado el Show de Pepe Pótamo.
Junto a su serie se emitían asimismo las series del oso polar Casioso y la foca Achú (Brezzly & Sneezly en inglés) y la de los Mosqueteros del Rey: Viva, Bravo y Hurra (Yippee, Yappee & Yahooey en inglés).
En el año 1966 la cadena ABC compró los derechos de emisión de Pepe Potamo y de Maguila Gorila, aunando ambas series en un programa infantíl títulado el Show de Pepe Pótamo.
44. Mazinger Z (Z Majingā Zetto?) es una serie de manga y anime creada por el dibujante y guionista japonés Gō Nagai. En la ficción, Mazinger Z fue el primer robot gigante tripulado, marcando las bases del género mecha. Tras él surgieron numerosas series de temática similar, como Voltron, Macross, Robotech, Gundam, Transformers, y Evangelion. La historia de la serie trata sobre un grupo de científicos que disponen de un robot gigante en su lucha contra las fuerzas malignas del Dr. Hell (también conocido como Dr. Infierno en algunos países de habla hispana). El manga fue publicado por primera vez el 12 de septiembre de 1972 en el semanario Shōnen Jump. En 2009, la serie se reeditó en un nuevo manga titulado Shin Mazinger Shōgeki! Z hen que incluyó novedades en la historia. El anime de Mazinger Z, por su parte, se estrenó en el canal Fuji TV el 3 de diciembre de 1972. En enero de 2001, la revista Animage publicó una lista sobre los animes más populares de todos los tiempos, en la que Mazinger Z se colocó en el número 11.
Orígenes: Kishioshi Nagai, más conocido como Gō Nagai siempre ha confesado su pasión por las series animadas Tetsujin-28 Go (Gigantor), creada por Mitsuteru Yokoyama en 1956 también conocida como Ironman 28 en México que trataba de un robot gigantesco muy poderoso y sin armamento, que tan solo se valía de su fuerza para luchar contra las fuerzas del mal. Este robot estaba guiado por un niño a través de un control remoto.
Otra de las series que fascinaba a Gō, era Tetsuwan Atomu (Astroboy) creado por Osamu Tezuka como un manga en 1951. Este personaje también pasó al anime en 1963 y trataba de un robot creado por el Dr Tenma que había intentando crear un duplicado a imagen y semejanza de su hijo fallecido. Sin embargo, aparte de total autonomía y del raciocinio propio de un niño de seis años, el profesor Tenma, había dotado a su creación, de poderes especiales. Una fuerza sobrehumana, súper-oído, vista de rayos X, y la capacidad de volar.
Gō Nagai deseó hacer su propia serie animada de robots. Su primer manga en esa dirección fue Getter Robot. Sin embargo, sentía que su proyecto no le satisfacia pues tomaba prestado mucho de las series de sus mentores. Cierto día, Nagai atrapado en un atasco de tráfico pensó que sería fantástico que a su coche le salieran piernas y así poder sortear el resto de automóviles parados por encima.9 De esta idea nació su inspiración; un robot gigante que podría ser controlado desde su interior, como si fuera un automóvil. Además poco más tarde tendría la idea de un primer robot transformable, el Getter Robot y Groizer X aún antes de concebirse series como Voltron, Macross y Transformers. En sus conceptos originales, el título para la serie era Energer Z, que era controlado por una motocicleta que accedía por la parte posterior de su cabeza. Sin embargo, debido a la repentina popularidad de su serie Kamen Rider(kekko Kamen) en la que se usaba una motocicleta, Nagai substituyó el sistema de acceso del robot por un aerodeslizador (reciclando después esta idea para el robot Diana A). Más tarde, jugando con la dualidad de los conceptos del bien y del mal rebautizó a su robot. Tomando la raíz japonesa ma (魔) que significa demonio y la raíz jin (神) que significa dios, y las unió conservando la sílaba final del nombre Energer original, resultando el nombre de Mazinger Z (el sonido al pronunciarlo en japonés es Máchinga con la r sorda). Con este nombre le confiere al robot una doble faceta: el Mazinger Z puede ser un benefactor o un destructor, según el uso que se le dé.
Así mismo, el diseño de la base de acoplamiento del planeador (Pilder, en inglés) que se asienta sobre la cabeza de Mazinger Z, es el mismo que el de su serie de manga "El caballero del demonio de Dante" (Demon Lord Dante), en la cual, el demonio gigante tiene en la frente insertada la cabeza humana de Ryo Utsugi (el hombre joven que se combinó con él). Este manga le serviría después como prototipo para su popular Devilman.
Un dato curioso, es conocer que el nombre del piloto, Kōji Kabuto toma su apellido de la palabra japonesa que significa "casco", coincidiendo con el hecho de que para que el robot funcione necesita ponerse a Kōji en la cabeza.
Argumento: El profesor Jūzō Kabuto hace un descubrimiento en la isla de Rodas, que curiosamente está deshabitada y con gran cantidad de restos arqueológicos en pie, en el transcurso de una investigación arqueológica encabezadas por el Dr. Hell.11 A lo largo de la misma son hallados los restos de unos gigantescos autómatas milenarios, enterrados bajo las ruinas de los que parece haber sido el enclave de una antigua civilización micénica del mar Egeo, llamada en la obra Mikenece. El descubrimiento es sensacional, para la historia de la Humanidad. Sin embargo, el Dr. Hell advierte que es mejor no difundir la noticia, hasta no conocer mejor los detalles del descubrimiento y pide que se le deje investigar en privado.5
Acabada su investigación el Dr. Hell reúne a todos los científicos y les presenta a los ciclopeos robots restaurados. Con ellos anuncia su intención de postrar al mundo a sus pies y pide la lealtad de todos los presentes. Los científicos se niegan, y el Dr. Hell con un bastón de mando despierta a los robots que gracias a un ingenio electrónico que les ha colocado siguen ahora sus órdenes. Los Robots comienzan a masacrar a los presentes,12 uno de los cuales, (muy parecido a Apolo A.1 del episodio 73) escupiendo lenguas de fuego de su boca, desata un infierno.
Tan solo el profesor Jūzō Kabuto consiguió escapar de la masacre,5 refugiándose luego en Japón donde comenzó a desarrollar el robot construido con los últimos avances de energía y tecnología. Usando la energía fotoatómica del reactor de Japonium y la aleación Z de su invención creada con este mismo material y única capaz de soportar la energía "fotónica", Jūzō esperaba poder impedir los ambiciosos planes del Dr. Hell, dando vida al Mazinger Z.
El japanium, que se supone es un nuevo elemento metálico de alta resistencia, tenacidad y punto de fusión en 6000° C, creando con él la aleación Z; con la cual construye al robot Mazinger Z, que utilizará para detener los planes del Dr. Hell.11 El Barón Ashura, aliado del Dr. Hell, asesina al Dr. Kabuto; pero antes de fallecer consigue contar a su nieto Kōji Kabuto los malvados planes del Dr. Hell y le da a conocer al Mazinger Z. Es en este momento cuando Jūzō Kabuto le cede la responsabilidad de manejar al robot, pero Kōji jamás había manejado máquina parecida.
En lo sucesivo, el Dr. Hell acechará constantemente con sus creaciones a la Humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus planes.13
A pesar de que el Dr. Hell fue un científico destacado, los conocimientos que poseía no se igualaban al de su colega japonés. De hecho, en la mitad de la serie se auxilió de un destacado Ingeniero en robótica de la misma nacionalidad que él, el alemán Dr. Hein Henrik, al cuál revivió como un cyborg. Tan notable fue este ingeniero alemán que, ante su soledad, el Dr. Hein Henrik creó una niña cyborg con sentimientos humanos a la que criaría como su propia hija, la misma que tendría un destino cruel en la serie.
Nuevos robots y nuevas armas salen de las fábricas ocultas y secretas del Dr. Hell, lo que supone un reto de actualización continua en tecnología para el Dr. Yumi, asistente del Dr. Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z auxiliándose varias veces de ingenieros en robótica de los Estados Unidos. El Dr. Yumi también construyó un robot de nombre Afrodita A, que era pilotado por su hija, Sayaka Yumi. Aunque no fue destinado en principio como arma de combate, posteriormente fue adaptado técnicamente como arma de defensa.
A la par de la secuencia de la serie, surge un amor ambiguo entre Kabuto y Sayaka Yumi. Desgarrado continuamente por las fechorías del Dr. Hell y la ira de venganza que Kōji Kabuto siente por dentro; así como las personalidades de ambos, Kōji es orgulloso y machista, y Sayaka es celosa y de carácter fuerte, parece que ese amor nunca se concreta.
45. Dragon Ball (Doragon Bōru?, conocido en España como Bola de Dragón) es un manga escrito e ilustrado por Akira Toriyama, y publicado originalmente en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995,3 editándose luego en 42 tankōbon por Shūeisha.1 En España fue publicado por la editorial Planeta DeAgostini por primera vez en mayo de 1992,4 convirtiéndose así en el primer país occidental en publicar el manga fuera de Japón.5 Luego fueron publicados en formato tankōbon entre 1995 y 1998 por la misma editorial.6 En Argentina y México fue publicado por la Editorial Ivrea y el Grupo Editorial Vid, respectivamente.7 8 Toriyama se inspiró en la novela china Viaje al Oeste para crear a Dragon Ball.9 10 La trama sigue las aventuras de Son Gokū desde su infancia hasta su edad adulta, período en el que básicamente se somete a un entrenamiento de artes marciales, y explora el mundo en búsqueda de siete objetos legendarios conocidos como las Dragon Ball («Esferas del Dragón» en Hispanoamérica, «Bolas de Dragón» en España), las cuales conceden cualquier deseo a su portador por medio de un gran dragón llamado Shenlong. A lo largo de su travesía, Gokū se hace de varios amigos y se enfrenta a una amplia variedad de villanos, muchos de los cuales también buscan las dragon balls para cumplir sus siniestros deseos.
Los 42 volúmenes (tankōbon) se adaptaron en dos series de anime producidas por Toei Animation: Dragon Ball y Dragon Ball Z, las cuales fueron transmitidas en Japón de 1986 a 1996. Adicionalmente, Toei ha creado 17 largometrajes animados inspirados en el manga, así como tres especiales televisivos y un anime que continúa más allá de los acontecimientos presentados en el manga: Dragon Ball GT.11 Desde 2009 hasta 2011, Toei transmitió una versión remasterizada de Dragon Ball Z bajo el nombre de Dragon Ball Kai, en donde la mayoría del material de la versión original que no aparece en el manga fue eliminado. Es importante señalar que varias empresas han producido varios tipos de productos inspirados en Dragon Ball los cuales van desde un juego de cartas coleccionables hasta un gran número de videojuegos.
Desde su lanzamiento, Dragon Ball se ha convertido en uno de los mangas y animes más populares de la historia, tanto en Japón como en Occidente. Los 42 volúmenes del manga han vendido más de 152 millones de copias solamente en su país de origen, cifra que se extiende a 300 millones si se consideran las ventas a nivel mundial.
La serie ha logrado que sea traducida y distribuida en muchos países como España y la mayor parte de América Latina;13 14 incluso se ha hecho referencia a esta serie en muchas otros manga y anime.15 En una encuesta realizada por TV Asahi en 2006 Dragon Ball quedó en el tercer puesto de las 100 mejores series de animación de acuerdo al público japonés con 1322 votos.
Personajes principales:
Son Gokū/Kakarotto: Es el protagonista de la mayor parte de la historia. Creció casi aislado en el Monte Paoz y sus alrededores aprendiendo artes marciales de su abuelo adoptivo Son Gohan (fallecido mucho antes del principio de la serie) y tiene una peculiaridad: posee una cola de mono (siendo adulto se descubre que esto se debe a que no es humano sino un saiyajin procedente del planeta Vegeta -donde fue bautizado como Kakarotto-). Su aventura da comienzo cuando conoce a Bulma y por influencia de ella la acompaña en su búsqueda de las siete Dragon Balls, que al reunirlas dan la posibilidad de invocar a Shenlong, un dios dragón capaz de conceder un deseo. En el camino conoce a Umigame (o simplemente Tortuga) y a Muten Rōshi (quien le regala la nube voladora Kinton) y se enfrenta con varios adversarios, entre ellos Pilaf, el cual también busca las Dragon Balls junto a sus secuaces Mai y Shu con la intención de pedir el deseo de dominar el mundo; y también algunos adversarios que terminan uniéndose a su viaje y siendo sus amigos (Oolong, Yamcha y Puar). Terminada ésta aventura, Gokū se dedica principalmente a entrenar para perfeccionarse como artista marcial, primero bajo las enseñanzas de Muten Rōshi (entrenamiento durante el cual conoce a Krilin, compañero que se convertirá en su mejor amigo) y después por su propia cuenta por recomendación del propio maestro. Con el paso de los años entrena junto a otros poderosos maestros (Maestro Karin, Mr. Popo y Kaiōsama del norte), volviéndose cada vez más poderoso, participando en distintas ediciones del Tenkaichi Budōkai (torneo de artes marciales más importante del mundo) y enfrentándose con muchos oponentes malvados que quieren conquistar o destruir el mundo e incluso el universo, de manera que las Dragon Balls en muchas ocasiones pasan a un segundo plano y lo principal pasa a ser la protección del planeta Tierra. A los 18 años se casa con Chichi (la cual le pide matrimonio tras su enfrentamiento en el 23º Tenkaichi Budōkai), con la cual posteriormente tiene dos hijos: Son Gohan (nombrado así en honor a su abuelo) y Son Goten. Hacia el final de la historia además tiene una nieta llamada Pan (hija de Gohan).
Bulma: Hija de uno de los científicos más brillantes del mundo (el Dr. Brief, quien es dueño de una exitosa empresa de tecnología llamada Capsule Corporation, en su adolescencia llega a sus oídos la leyenda de las Dragon Balls y decide buscarlas. En su camino se encuentra a Gokū, quien la ayuda en su aventura. Ya desde su juventud posee una enorme inteligencia y habilidad para construir aparatos tecnológicos. Durante su vida crea numerosos objetos de importancia, como el radar del dragón (radar que muestra la ubicación de las Dragon Balls), la máquina del tiempo usada por Trunks, etc. Llega a superar a su propio padre como científica. En su adolescencia y juventud mantuvo un noviazgo con Yamcha (a quien dejó por sufrir varios engaños amorosos) y siendo adulta formó una relación con Vegeta, con quien tuvo dos hijos: Trunks (varón) y Bra (mujer).
Kame Sennin (también conocido como Muten Rōshi): Es un legendario artista marcial, creador del Kame Hame Ha (técnica energética más emblemática de la serie), y al principio de la historia uno de los luchadores más poderosos del mundo pese a ser anciano. Tiene su hogar (Kame House) en una diminuta isla tropical en el mar y vive allí junto a su amigo Umigame. Al principio de la historia ella se pierde tierra adentro, entonces Gokū (en compañía de Bulma) la lleva nuevamente hacia la orilla del mar, protegiéndola incluso de un gigantesco tigre guerrero que quería devorarla, por lo que ella fue en busca de Muten Rōshi para presentarlo y así fue como conoció a Gokū y en agradecimiento le regaló a Kinton, una nube voladora. Luego pasa a ser el maestro de artes marciales de Gokū y Krilin (quien además se queda a vivir en Kame House), y posteriormente también de Yamcha. Todos esos discípulos se convirtieron en grandes guerreros con el paso del tiempo, superándolo a él ampliamente.
Krilin: Es un artista marcial que empezó su entrenamiento en un templo Shaolin, pero al ser molestado constantemente y marginado por compañeros de mayor edad decidió ir a entrenar con Muten Rōshi (quien goza de gran prestigio entre la gente que practica artes marciales) y así conoció a Gokū, convirtiéndose en su compañero de entrenamiento y con el paso del tiempo en su mejor amigo. Lo acompaña en la mayoría de sus aventuras y batallas, mejorando como luchador al punto de llegar a ser el humano más poderoso durante gran parte de la historia (concretamente hasta la aparición de Ub, quien debe su inmenso poder -infinitamente superior al de cualquier humano que jamás haya existido- a ser la reencarnación benigna de Majin Bu, uno de los antagonistas principales de la serie), aunque incluso el enorme poder que consiguen los humanos más poderosos (Krilin, Ten Shin Han, Yamcha y Chaos respectivamente -hasta la aparición de Ub en los últimos momentos de la historia-) siendo adultos ya de poco sirve para luchar contra los enemigos que se presentan (sólo los saiyajinss, sus hijos y en algunas ocasiones Piccolo pueden hacerles frente), por lo cual pasan a tener un papel secundario e incluso nulo en las batallas, siendo generalmente observadores. De adulto forma una pareja con la Androide Número 18 (humana que fue revivida y se le reconstruyeron algunas partes internas del cuerpo y se le añadió un gran poder, el cual enormemente superior al de cualquier humano a excepción de Ub), con quien tiene una hija llamada Marron.
Piccolo: Es un Namek|namekuseijin (lo cual se descubre siendo él adulto) hijo del malvado Piccolo Daimaō y nacido para vengarse de Gokū aunque posteriormente se convertiría en su amigo. Su raza procede del planeta Namek pero él nació en la Tierra. Es el primer maestro de Gohan (hijo de Gokū), al que entrena para enfrentarse a Vegeta y Nappa. Tiene un afecto especial por él, a quien siente casi como a un hijo, ya que fue la primera persona que dejó de verlo como un enemigo.
Son Gohan: Es el hijo mayor de Gokū y hermano mayor de Goten. Toma el papel de protagonista de la historia en varias ocasiones. Gokū le puso el nombre en honor a su abuelo Son Gohan. De adulto se casa con Videl y tiene una hija llamada Pan.
Vegeta: Es el príncipe de los saiyajins, su nombre es el mismo que el del planeta de donde proviene. Llega a invadir la Tierra junto con su compañero Nappa con el objetivo de apoderarse de las Dragon Balls y así pedir el deseo de la vida eterna, para poder derrotar al poderoso Freezer y reemplazarlo como emperador de gran parte del universo. Posteriormente deja de ser malvado gradualmente y vive en la Tierra, se hace amigo de Gokū (con quien además mantiene una rivalidad permanente) y forma una relación con Bulma, con la que tiene a su hijo Trunks y su hija Bra.
DIBUJOS DE PERSONAJES DE CÓMIC
1. Spider- Man, pues he dibujado a "la araña" esta misma tarde y de paso le he mandado el dibujo a un auténtico experto, a Salvador Larroca, que me dice lo siguiente: "¡Está chulo!¡Enhorabuena! ¡Un saludo! "
2. Superman, un nuevo superhéroe en la colección de dibujos, quien sabe si el más reconocido de todos.
3. Thor es el Dios del trueno en la mitología nórdica y germánica.
4. Hulk
Opinión de Davicín (hijo de mi prima) de tres años. "Me gusta, él es el zuper fuerte"
5. Daredevil
6. Iron Man
7. Capitán América
8. Batman
10. Los cuatro fantásticos
11. Spiderman a color
12. Monstruitos legendarios
Opinión Davicín (hijo de mi prima ) de tres años.
¿Te gusta el dibujo? Sí
¿Quienes son? Los zuper malos.
13. Superman
